一、中国画大致可分为：什么五种画
从画的内容来看，可分为：人物画、山水画、花卉画、禽鸟走兽虫鱼画、界画等. 人物画，是我国传统的画科之一，内容以描绘人物为主.因绘画侧重不同，又可分为人物肖像画和人物故事、风俗画.据记载，人物画在春秋时期已经达到很高水准.从出土的战国楚墓帛画，可以看到当时人物画的成就.人物画一直是中国传统绘画最主要的画科. 山水画，简称“山水”，中国画画科之一.是以描写山川自然景色为主题的绘画.在魏晋六朝，逐渐发展，但仍多作为人物画的背景；至隋唐，已有不少独立的山水画制作；五代、北宋而益趋成熟，作者纷起，从此成为中国画中的一大画科.主要有青绿、金碧、没骨、浅绛、水墨等形式.在艺术表现上讲求经营位置和表达意境. 花鸟画，我国传统绘画画科之一.以描绘花卉、竹石、鸟兽、虫鱼等为画面主体.四五千年以前的陶器上出现的简单鱼鸟图案，可以看作最早的花鸟画.据唐代张彦远《历代名画记》中的记载，东晋和南朝时，画在绢帛上的花画已经逐步形成独立的画科，并且出现一些专门的画家.五代、两宋间，这一画科更趋成熟. 界画，也是中国画画科之一.明陶宗仪《辍耕录》一书中，提出将绘画分为十三科：佛菩萨相、玉帝君王道相、金刚鬼神罗汉、风云龙虎、宿世人物、全境山水、花竹翎毛、野赢走兽、人间动物、界画楼台、一切旁生、耕种机织、雕青嵌绿.中有界画楼台一科.指以宫室、楼台、屋宇等建筑物为题材，而用界笔直尺画线的绘画也叫“宫室”或“屋木”. 从画的形式或颜色上可分为：水墨、青绿、金碧、浅绛等. 水墨画，指中国画中纯用水墨的画体.相传始于唐，成于宋，盛于元明，清以来继续有所发展.以笔法为主导，充分发挥墨法的功能，取得“水晕墨章”、“如兼五彩”的艺术效果.在中国画史上占重要地位.唐张彦远《历代名画记》：“运墨而五色具.”所谓“五色”，说法不一，或指焦、浓、重、淡、青，或指浓、淡、干、湿、黑.实际上都是指墨色的变化丰富而言. 青绿，指中国画颜料中的石青和石绿作为主色的画.若为山水画还有大青绿和小青绿之分.前者多钩廓，皴笔少，着色浓重；后者是在水墨淡彩的基础上薄施青绿. 金碧，指中国画颜料中的泥金、石青和石绿.凡用这三种颜料作为主色的山水画，叫做“金碧山水”，比“青绿山水”多泥金一色.泥金一般用于钩染山廓、石纹、坡脚、沙嘴、彩霞、以及官室、楼阁等建筑物. 浅绛，是在水墨勾勒被染的基础上，敷设以赭石为主色的淡彩山水画.元画家黄公望、王蒙等好作此种山水画，形成了一种风格.赭石又称“土朱”，有火成的和水成的.入画的赭石，出在赤铁矿中.原石伴随着赤铁矿产出，用手捻摸，感觉滑腻的是好原料.原产山西雁门一带，古属代郡，所以又叫“代赭”.凡是有赤铁矿的地方，均产赭石. 从画的技巧上可分为粗笔（泼墨）、细（工）笔、写生、写意、皴法、白描、没骨、指头画等.泼墨是中国画的一种技法.相传唐人王洽每于酒酣作泼墨画.后世泛指笔势豪放、墨如泼出的画法为“泼墨”. 工笔，是中国画中属于工整细致一类的画法，与“写意”对称.写意是中国画中属于放纵一类的画法.要求通过简练的笔墨，写出物象的形神，来表达作者的意境. 效法是中国画的一种技法，用以表现出石和树皮的纹理.山石的皴法主要有披麻皴、雨点皴、卷云皴、解索皴、牛毛皴、荷叶皴、折带皴、括铁皴、大小劈皴等；表现树身表皮的，则有鳞皴、绳皴、横皴等，都是以其各自的形状而命名的.这些皴法乃是古代画家在艺术实践中，根据各种山石的不同质地结构和树木表皮状态，加以概括而创造出来的表现程式.随着中国画的不断革新演进，此类表现技法还会继续发展. 白描是中国画技法名.源于古代的“白画”.用墨线勾描物象，不着颜色的画法.也有略施淡墨渲染.多用于人物和花卉画. 没骨也是中国画技法名.不用墨线勾勒，直接以彩色绘画物象.五代后蜀黄筌画花钩勒较细，着色后几乎不见笔迹，因有“没骨花枝”之称.北宋徐崇嗣效学黄筌，所作花卉只用彩色画成，名“没骨图”，后人称这种画法为“没骨法”.另有用青、绿、朱赭等色，染出丘壑树石的山水画，称“没骨山水”，也叫“没骨图”，相传为南朝梁张僧繇所创，唐杨升擅此画法. 指头画简称“指画”.中国画的一种特殊画法.用指头、指甲和手掌蘸水墨或颜色在纸绢上作画.清高其佩擅此画法，其侄孙高秉还著有《指头画说》.高其佩说：“吾画以吾手，甲骨掌背俱；手落尚无物，物成手却无”（转引自胡海超编《中国绘画趣谈》第195页）.说明他作画运用了手的各个部分，指甲、指头、手掌、手背.分析起来，画小的人物花鸟以及细线等，可能用指甲，可正用，也可侧用，如使用钢笔一般画大幅如荷叶、山石，可用泼墨法，手背手掌正反可以抚摸成画；画柳条流水可以小指、无名指甲肉并用点苔可用一指或数指蘸墨直下.总要立意在先，胸有成竹，然后心手相应得其自然，浑然天成，不现手画的痕迹，方称上乘，所以说“物成手却无”.自此以后，作指画的人虽不少，不过是偶然性的指墨游戏.只有现代已故名画家潘天寿，指画成就最高. 从画的时代上可分为：古画、新画、近代画、现代画等.。
二、怎样画山水画
1、素画法 素画法是元代以后较为通行的画法，特点是只有勾、皴、点而不染或少染，用墨清淡，画面清爽，画法也较为简单。
先用湿墨勾出山石轮廓造型，勾线看似简单，实则关系到整幅画成败的关键，因为勾线实际是总体面貌的设计，通过勾线，山体、树木的形态、走势就确定了，这一步？作好，后期无法补救，所以勾线后要挂起来反复酌作修正，直到满意为止。 之后勾画出树木，此树以枯枝为主，可设为鹿角枝或直伸枝，用侧锋笔法点簇出树叶，可先用浓墨点，再用淡墨点外围，分出层次。
用散锋破笔皴擦出山石、树干纹理，皴纹不要太多，本图采用枯笔随意自由皴，似点非点，似面非面，比较自然。也可用扁锋枯笔刷皴，刷出披麻？。
最后用刀笔点簇出山石上的草丛，勾画出小船、飞鸟点景即可。 2、勾斫法 勾斫法是千余年来传统山水的典型画法，通常按勾、皴、点、染的步骤。
下图设为北派山水，用熟宣作的画。北派山水的特征是以高山大岭、苍松古树为原型，构图雄伟大气，讲究布局造型，大多采用点子皴法，如关仝的钉头皴，范宽的雨点皴，李成的麻皮皴，均工密精细，属工写结合的小写意画法，后期郭熙改变为较随意的卷云皴，南宋又变为斧劈皴等，使写意性更强。
勾线：用淡墨勾画出山石、树木的轮廓线，勾线应先勾近景，由近至远，石质山和苍松古树线条不能太圆滑，应有一定的楞角，且线条应曲折有变化。画树：该画有松树、夹叶树和枯树，松树碗形针叶，夹叶树主要用小圆形图案构成。
树干部份用淡墨顺着线点刷，皴出树干纹理。 树枝上画一些藤蔓，树干上点一些苔藓更显苍古。
画藤蔓将笔毛刮成扁锋，从上向下轻刷，长短不等，数量适度，并点些小点。苔藓用正锋点，数量适度不要太多。
皴纹：山石均使用麻皮皴，用钝笔蘸少许淡墨点皴阴面，靠线处皴密些，光亮面皴稀些。待干后，再用次浓墨和浓墨皴一至二遍，重点是皴山石阴面靠线条处，不要全覆盖头遍皴纹。
皴时顺便点簇出山上的树丛草丛。渲染：用淡墨染树叶、中景山峰阴面。
近景山石用浓墨染。渲染采取分染法，用一支笔顺着山石阴面涂上墨汁，另用中号清水笔染开淡化。
远山用淡墨涂出形状，下面用清水笔染开淡化。待整个画面干透后，再将纸全部喷湿，用大号清水笔普遍罩染一次，罩染时，应在画面内进行，避免将墨染出画面弄脏天空。
由于五代后的小写意画多为水墨画，所以不再染色。 3、染画法 染画法古代不多，是笔者在传统基础上变法出的画法，特点是充分发挥了水墨的长处，水墨淋漓，韵味悠远，画面滋润，意趣横生。
下图设为南派山水，因使用的生宣，所以按勾、染、皴、点的步骤。当然也可按勾、皴、点、染的步骤，只是染时要防止跑墨弄花画面。
南派山水的特征是以丘陵江湖、花柳杂树为原型，构图简略天趣，讲究诗情画意，大多采用线皴法，如董源、巨然的披麻皴，黄公望的解索皴，倪瓒的折带皴，王蒙的牛毛皴，均温润而不张扬。 勾线：构图按两点对角式构图，近景由土坡构成，中景是石山，远山设为丘陵地貌，因此线条应平缓婉延，用湿墨勾画出山石地貌即可，线条应近浓远淡。
画树：南派山水多画花柳杂树，并将几种树间搭配置，这样画面不会呆板，画法写意一些为好。树画完后，用电吹风将树吹干，用湿墨或淡墨点染树叶和树干。
渲染：待画面干透后，将纸喷湿，以刚好全部湿纸为度。将笔洗净，先蘸半笔湿墨顺着山石轮廓线阴面用侧锋笔势涂染，之后在轮廓线处用淡墨和次浓墨逐步加深至满意为止，加深时采用皴刷的画法较好，蘸墨要少，用笔要轻，此法称为积墨法。
注意每次要掌握好墨的浓度，争取一两遍就染成功，不要反复涂染。如果技法基础较好，也可采用混染，用清水笔蘸半笔湿墨，再在笔尖上蘸一点浓墨，从山石最暗处下笔，顺着轮廓线用侧锋笔势涂染，一次染成一条轮廓线。
云雾采取留白法较为简单，渲染时，留出空白即可。 如需破白渲染，用清水笔蘸半笔湿墨，笔尖向内，笔杆倾斜染出云头形状，个？地方用淡墨加深，下图山体采取的积墨染，云层采取的破白渲染。
皴纹：待画面八成干时，再重勾一下轮廓线，使山石轮廓更为清晰，注意所用墨色浓度与染墨大体相同，笔法以散锋为好。之后，用笔蘸上少许淡墨将笔刮成扁锋。
顺着轮廓线轻轻刷画，刷出披麻皴纹，个？地方用浓墨刷画一遍。注意笔上墨汁一定不要太多，以枯笔为好，且皴纹也不宜太多，不要全面施皴，简略皴一些纹理即可。
点景：生宣大面积渲染时，难免不跑墨，点景可掩饰跑墨，并可丰富画面。用刀笔或侧锋点画出山石上的丛树，注意疏密有致，高低错落，有跑墨的地方，可点些丛树将其掩饰。
之后，在适当位置可画一两株小枯树。在河面上勾画一两只小船或飞鸟，使画面活跃显得有生机。
总结：小编在上文中为大家介绍了画山水画的主要的几种手法。一般来说，我们想要画山水画主要通过三种方法，分别为素画法、勾斫法和染画法。
然后通过这三种方法里面不同的一些绘画手法来构成一幅幅不同的山水画。 在这三种方法中所使用的一些手法，虽然都一些相同的名字，但是其中的画法却是不一样的。
各位要多多研习一下，才能够。
三、泼墨山水画怎么画
1。
山石的勾法 在山石的画法中，勾与皴是最为重要的两个步骤。勾山石，为了表现出其表面纹理，我们要注意把握线条的粗细、用笔的顺逆，另外，在作画是，还应通过线条的干湿与虚实来体现山石的体积感。
2。山水的泼彩画法 这种方法常常用来表现山水的复杂变换，具体的画法如下：先用大笔蘸取颜色，并按原来想好的布局泼染出大致的山石形状，此时注意保持充足的水分，使色彩与水分融会。
等到画纸半干时，再用画笔勾皴，此时要注意笔法的变化，以保证山水画作的丰富性。 3。
山石的皴法 山石的皴画法，往往是与勾法相结合，在勾画的基础上稍加皴擦，以此表现出山岩类似斧劈的效果。而皴画多种多样，包括了折带皴、云头皴与雨点皴等等。
折带皴常常用于表现山岩或水流的横向纹理，用笔平而有变化，但切记下笔不可平行；云头皴一般用于表现山石的质感，效果如同卷云一般，下笔时应采用横向圆笔；雨点皴下笔时应采用更小的笔触，用来表现一些陡峭的石灰岩。 除此之外，皴画法还有乱柴皴、荷叶皴、披麻皴等等。
4。
山水的积墨法 积墨法指的是一种多层皴染的技法，可以使画面产生更加厚重的效果。使用积墨法勾画的山水与勾皴法基本相同，不同点在于皴染并非一次性画好，而是层层叠加的，从而达到更加厚重的表现效果。
清代的龚贤与近代的黄宾虹在作泼墨山水时就很喜欢采用积墨法。 5。
山水的三远法 三远法中的三远指的分别是平远、高远与深远，分别采用平时、仰视与俯视的视角构图，以表现出山水的不同意境。
四、国画分为山水,人物,花鸟三大科吗
国画的分类 山水 欣赏中国山水画，先要了解国画制作者的胸襟意象.画家把名山大川的特色，先储于心，再形于手，所以不以“肖形”为佳，而以“通意”为主.一树一石、一台一亭，皆可代表画家的的意景.不必斤斤计较透视比例等显示的问题. 动物 动物种类繁多，大小不一，狮、虎、猫、犬可称为走兽，各种鱼类可称为游鱼，蝉、蝶、蜻蜓称为草虫，各种雀鸟称为翎毛.动物可以归到花鸟画. 人物 可分为古今两类：古装人物，或者是历代英雄名士为一类；现代服装，或者模特儿写生为一类.由于人物要有动作、表情，所以人物画是比较深奥的制作. 根据制作技巧、笔法，国画可以分为工笔、写意和兼工带写. 工笔 用细致的笔法制作，工笔画着重线条美，一丝不苟，是工笔画的特色. 写意 心灵感受、笔随意走 ，视为意笔，写意画不重视线条，重视意象，与工笔的精细背道而驰.生动往往胜于前者. 根据画面内容又可以分为传统绘画和现代绘画. 传统 中国画画龄以千年计，形成了一套笔法、构图法 、皴法等固定的模式，所以具有此种风格的国画称为传统绘画. 现代 近代中国画家，参考西方绘画以及现代派的作品，将其精华融汇于中国画之中，至于更有抽象式的新派国画，其用色、构图等都与传统绘画大相径庭.。
五、【中国画,山水层次如何体现
国画中，画山水到底是在画什么啊？笔墨？ 画山水画是画大自然，从题材上讲就是西洋画中的风景画. 笔墨技法是中国画的基本技法，作为一种成熟的画种，画大自然时必定要用到一套系统的技法，它就是笔墨技法. 如果我们抛开笔墨的美学层次或笔墨精神，至少从外表上看我们画山水或说画大自然也是在画笔墨 画山水是画笔墨和画大自然同时进行的，笔墨技法与大自然形体的完美结合.这个结合的程度也是衡量作品的重要尺度. 大自然是山水画的客观表现对象，他带来的山水画画种的稳定和客观，笔墨是山水画的文化因素，是历史积淀的结果，是山水画艺术性的重要象征. 画山水是不是在画画家对自然的感受？ 画山水也同时在画画家对自然的感受，不仅于此，画山水也同时在画画家对传统笔墨的感受. 前面讲的画大自然，画笔墨，先是因为这些大自然和笔墨技法是通过画家的认识，在画家思想中形成了对大自然和笔墨有感识之后，再通过创作的行为表现出来的. 所以画家心中的对大自然和笔墨的感识是画家画大自然和笔墨时的一个中间物象，所以画家画大自然和笔墨是通过画家对这两个东西的感识来间接地画自然和笔墨的正因为于此我才看到了山水画中存在了不同的造型和不同的笔墨. 层次是不是就是指的空间啊 中国山水画，包括其它中国画一样，层次可以是国画中深度空间表现手段，但是中国画比较主观，一般追求给人以遐想的空间，所以中国画中层次并不一定是就是真实的自然空间. 中国画中习惯于把这种透视称之为散点透视. 但是层次是还可以是物象本身的一个颜色表现，物体颜色有深浅，自然就形成了层次，但是中国画讲究随类赋彩，这也可以说明中国画在这方面也是比较主观的.比如画兰花时，我们把叶画得浓，把花画得淡，这并不就是说花和叶是一个在前一个在后的. 但是上述层次的两个方面还是一定要与中国画的笔墨文化形成结合才能更好的形成属于中国画的层次的.。
六、山水画怎么画
千年来中华民族尤其是中国文人阶层对山水情有独钟，不论是 “智者乐水，仁者乐山”的长者智慧，还是“高山流水”的知音情结，亦或是“可游可居”的精神追求，无不体现出中国人对山水的独特情怀。
中国画中的主流和大宗是山水画，而山水画也真正体现了我们的审美文化和民族精神：把山水作为绘画的题材，也作为文学等其他艺术样式的题材，这标志着中国人对自然的审美意识开始觉醒，也标志着中国人“天人合一”哲学观念的最终完美体现。 归根结底，山水画不同于花鸟画、人物画，最为重要的在于构境，“可行、可望、可居、可游”之境。
但是，在历史上，山水画的发展也经历了由实用到技法再到审美、意趣的不同追求。 如果详细研究，可参考陈传席的《中国山水画史》和牛克诚的《色彩的中国绘画》，这两本书会让你完全了解山水画，从材料、技法到历史、品评都有。
这是一个很难直接回答的问题，“怎么临摹”包括选摹本，临摹的技法等，很难全面回答。现就我的认识，回答一部分： 首先，摹本的选择上。
古人没有今天这么多的印刷品，所以能够见到的作品肯定是有限的（除了宫廷画家和收藏家）。但是有一点，他们所临的都是“真迹”，哪怕是赝品。
直到清代出现了《芥子园画谱》的广为流传，才开启了临摹丰富的道路，包括齐白石等都是从临此书开始。 因此，很多画家形成了强记的本领。
比如，黄公望的《富春山居图》，沈周曾经收藏，后来借给一个朋友，但此作品被盗，沈周痛苦万分，不得已根据记忆将此画作默写出来，故有两幅《富川山居图》流传后世，沈周之作可补黄公望之作缺失部分。近现代的陆俨少家境贫寒，故留恋装裱店，形成了强记的功夫，回家后就将此默写出来。
因此在写生中，从不现场作画，而笔笔生发，进入自由王国（李可染的评语），不可不说与其少年时形成的强记本领有关。而五代南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》也是在记忆中画成的。
第二，关于临摹的选本真伪和清晰与否上。现在的观点，大部分认为名家珍品和高清版本为上。
这是有道理的，这样可以尽可能的体会大家笔意、构境等。 但是，历史上也有不同者。
如书法家王铎，真品、赝品都临摹，最终也成就很高。近现代的贺天健，要求摹本不要太清晰，这是怕完全钻进去了，走不出来了，但这要求必须有名师指点，否则容易走弯路。
清代郑板桥亦言“十分学七要抛三”，即是活学。 我认为，应该专研一家，走进去，然后再走出。
如当代中国美术学院九十年代崛起的一批，张伟平、林海钟、张捷、张谷旻，以及后来的丘挺，都是有较深的临摹功力，尤其丘挺，可以将王蒙的《青卞隐居图》背临，局部可以达到跟原作一样。这样的底子，然后创新，才能有根基。
临摹的作品上，中国美术学院有十幅大画，包括董源《夏山图》，巨然《层岩丛树图》，郭熙《早春图》，范宽《溪山行旅图》，李唐《万壑松风图》，夏圭《溪山清远图》，赵孟頫《鹊华秋色图》，黄公望《富春山居图》，王蒙《青卞隐居图》、《具区林屋图》，倪云林《渔庄秋霁图》、《容膝斋图》等。 第三，临摹道路上。
中国美术学院的顾坤伯老先生，主张由清朝，上溯明、元，直到宋。但陆俨少主张从宋朝大画开始，十幅大画也是他传下来的。
我认为可以不拘一格。 至于山水画形式风格和历史的著作，陈传席的《中国山水画史》是历史演变的，牛克诚《色彩的中国绘画》是将风格的，两本结合，效果会很好。
但是，一定要能够读透，否则，难有收获。 临摹，还要注重纸张和毛笔。
关于纸，这个变化太多，以前的绢帛，后来檀书皮作的（后来檀书被用尽了，所以少了），再到后来秸秆作的，都不一样。至于日本盗用中国技术做的宣纸，细腻有余，但不尽好用。
今天的宣纸，尤其是红星的，临摹明清的水墨作品还是可以的。但是，如元代王蒙的《青卞隐居图》等，则需要煮捶宣，半生半熟的。
关于这个问题，可能需要说的太多。我也不知道从何说起，希望上面的对你有所帮助吧。
如临摹宋人山水，须用相对熟的绢。不过那时的纸和现在纸根本不同，本身渗水性差； 而临摹元人如王蒙的山水画应用半生熟的煮捶宣，既可走动笔线，又能反复积墨； 到了明代，有宣纸，那时的宣纸是用檀树皮做的，纸既光洁，又能存墨；后来檀树皮用光了，改用稻草，虽然光洁，却不流畅，墨色效果较差；日本纸细腻有余，但太过工细，用起来发康。
基本而言，从花鸟画的大写意开始，但代表它们的里程碑沈周、徐渭所用纸虽为生宣，但与今之生宣亦不同，尤其沈周之画，多用较熟的纸。 在今人体系中，如贾又福，让学生主临三家：范宽、石涛、龚贤。
今学生颇多喜龚贤之积墨，竟用生宣临摹，画面多有乌浊之气，谬矣。 现在多用临写意花鸟的点染丶点写之法临古代山水、创作当代山水，不免薄气。
对于今人之行为，上海大学徐建融极为不满，提出"革生宣纸的命"，虽有偏激，但亦反映出来今人多用生宣，缺少唐宋之苦心经营。
