1.美术小常识
【美术】 通常指绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等在空间开展的、表态的、诉之于人们视觉的一种艺术。
十七世纪欧洲开始使用这一名称时,泛指具有美学意义的绘画、雕刻、文学、音乐等。我“五四”前后开始普遍应用这一名词时,也具有相当于整个艺术的涵义。
例如鲁迅在一九一三年解释“美术”一词时写道:“美术为词……译自英之爱忒。爱忒云者,原出希腊,其谊为艺。
随后不久,我国另以“艺术”,一词翻译“爱忒”,“美术”一词便成为专指绘画等视觉艺术的名称了。 【造型表现手段】 造型艺术中创造艺术形象的手法和手段。
如绘画借助于色彩、明暗、线条、解剖和透视;雕塑借助于体积和结构等。这些手法和手段,通过长期的艺术实践,形成了这些造型艺术各自独具的特殊的艺术语言,并决定了这些艺术各不相同的表现法则,关系到塑艺术形象的成败,以及艺术作品的感染力。
艺术家对造型表现手段的规律性的不断探索,精益求精,是使艺术创作能够表现新的生活内容和满足人们不断发展的审美爱好的必要条件。 【黄金分割】 亦称黄金律、黄金比例。
在一条线段上,按照最佳长短比例,将此线段分割为长段与短段,或按此最佳长短线段的比例构成一个矩形的最佳的长边与短边的比例,即构成黄金分割。 【二度空间】 绘画术语。
指由长度(左右)和高度(上下)两个因素组成的平面空间。在绘画中为了真实的再现物象,往往借助透视、明暗等造型手段,在二度空间的平面上造成纵深的感觉和物象的立体效果,即以二度空间造成自然对象那种三度空间的幻觉。
有些绘画,如装饰性绘画、图案画等,不要求表现强烈的纵深效果,而是有意在二度空间中追求扁平的意味,来获得艺术表现力。 【三度空间】 绘画术语。
指由长度(左右)、高度(上下)、深度(纵深)三个因素构成的立体空间。绘画中, 为真实地再现物象,必须在平面上表现出三度空间的立体和纵深效果。
【质感】 绘画、雕塑等造型艺术通过不同的表现手法,在作品中表现出各种物体所具有的特质,如丝绸、肌肤、水、石等物的轻重、软硬、糙滑等各各不同的质的特征,给予人们以真实感和美感。 【量感】 借助明暗、色彩、线条等造型因素,表达出物体的轻重、厚薄、大小、多少等感觉。
如山石的凝重,风烟的轻逸等。绘画中表现实在的物体都要求传达出对象所特有的分量和实在感。
运用量的对比关系,可产生多样统一的效果。 【空间感】 在绘画中,依照几何透视和空气透视的原理,描绘出物体之间的远近、层次、穿插等关系,使之在平面的绘画上传达出有深度的立体的空间感觉。
【体积感】 绘画术语。指在绘画平面上所表现的可视物体能够给人以一种占有三度空间的立体感觉。
在绘画上,任何可视物体都是由物体本身的结构所决定和由不同方向、角度的块面所组成的。因此,在绘画上把握被画物的结构特征和分析其体面关系,是达到体积感的必要步骤。
【透视】 绘画法理论术语。“透视”一词原于拉丁文“perspclre”(看透)。
最初研究透视是采取通过一块透明的平面去看景物的方法,将所见景物准确描画在这块平面上,即成该景物的透视图。后遂将在平面画幅上根据一定原理,用线条来显示物体的空间位置、轮廓和投影的科学称为透视学。
【明暗】 绘画术语。指画中物体受光、背光和反光部分的明暗度变化以及对这种变化的表现方法。
物体在光线照射下出现三种明暗状态,称三大面,即:亮面、中间面、暗面。三大面光色明暗一般间面、暗面。
三大面光色明暗一般又显现为五个基本层次,即五调子:① 亮面一直接受光部分;②灰面一中间面,半明半暗;③明单间交界线一亮部与暗部转折交界的地方;④暗面一背光部分;⑤反光一单间面受周围反光的影响而产生的暗中透亮部分。依照明暗层次来描绘物象,一直是四方绘画的基本方法。
文艺复兴时期瓦萨里在其《美术家列传》中就曾论述:“作画时,画好轮廓后,打上阴影,大略分出明暗,然后在单间部又仔细作出明暗的表现,亮部亦然。”欧洲画家中伦勃朗是擅长明暗法技巧的大师。
【轮廓】 造型艺术术语。指界定表现对象形体范围的边缘线。
在绘画和雕塑中,轮廓的正确与否,被视为对作品的成败至关重要。 【构图】 造型艺术术语。
指作品中艺术形象的结构配置方法。它是造型艺术表达作品思想内容并获得艺术感染力的重要手段。
【色彩】 绘画的重要因素之一。是各种物体不同程度地吸收和反射光量,作用于人的礼堂所显现出的一种复杂现象。
由于物体质地不同,和对各种色光的吸收和反射的程度不同,使世间万物形成千变万化的色彩。 【色相】 色彩可呈现出来的质的面貌。
自然界中各各不同的色相是无限丰富的,如紫红、银灰、橙黄等。 【色度】 指颜色本身固有的明度。
如七种基本色相中,紫色色度最深暗,黄色色度最明亮。 【色调】 亦称调子。
在一定的色相和明度的光源色的照射下,物体表面笼罩在一种统一的色彩倾向和色彩氛围之中,这种统一的氛围就是色调。 【色性】 色彩的没属性。
色彩基本分为暖色(也称热色)和冷色(也称寒色)两类。红、橙、黄为暖色,给从以热烈、温暖、外张的感觉。
2.请问画画的常识
画画的知识实在是太多了,怎能用一两句话概括呢?
要是特别想了解的话,还是多到美术商店里去看看,我这里只能很简洁的大致的说一下。太复杂了你也消化不了,
按地方分:中国画,西方画
中国画分:写意画,工笔画等等,
按所绘类别,分为山水画,花鸟画,人物画
我自己爱好工笔,所以对这类还比较熟悉。
素描是一切绘画的基础,
素描学习分三个等级,先是学几何体再学静物最后是头像。主要用铅笔来描绘物体的立体感(深浅及远近)
西方的绘画以油画居多,其他还有水粉水彩等等。
颜料上来说,油画和中国画的颜料是不一样的,这个你只要去美术用品商店就知道了。上面会很清楚的写着中国画颜料和油画颜料。笔也是不一样的。
画的总类很多,要是你对绘画有兴趣的话,建议你先从一种开始了解(挑你喜欢的),漫漫的再扩大范围。绘画和音乐一样,在某种意义上来说他是没有国界的,就是说虽然还是分中国画西方油画,但现在的画家已经常常会把某些特点融合在一起,比如工笔的里面有油画的影子,比如衬逸飞的油画里也有中国画的韵味,那就要靠是自己去理解慢慢的去推敲了。
3.美术画画基本常识
线条要讲究轻重,流畅,粗细,这样才能使画面能具有空间感、层次感,要想迅速掌握,仅仅考理论知识是无法达到目的的,必须坚持画速写,速写是提高线条质量和技巧必要的方式,同时也能提高自己各方面的绘画能力,多临摹大师的速写,不单单是看着画下来,要看他的线条在不同的方位运用的是怎样的,是粗还是细?是轻还是重?时间长了就可以发现虽然用眼睛看不见画面上的某些线条,但是能感觉到那里的线条的存在,就是所谓的意到笔不到,有些地方不一定非要用线条表达出来,看者也能明白其中的道理,这样使整幅画面线条既不繁琐,而且每条线都有它表达的含义在里面,切记没有意义的线条坚决不加上去。要做到精、准、度。
色彩的搭配除了必要的理论知识以外,更为重要的同样是对生活中色彩的赏识度,既要有感性认识,也要有理性认识,既然是美术,那么感性认识这方面往往要大于理性认识,很多大师的色彩搭配让人看起来很有新意,但是又不乏理性,也就是在理性认识的基础上无限发挥感性认识的东西,色彩同样讲究空间感和层次感,还有美感,这里面涉及到很多如冷暖对比色调、黑白色调、暖色调、冷色调、灰色调等。每种色调都被广泛的用于生活的各个领域,所以提高色彩搭配意识,更多的还是要多感触生活中的东西,多看国外像法国这样的服装设计中的色彩搭配,多看知名油画的那些经典色彩搭配,看得多了你就会发现色彩的搭配有丰富多样的,不是固定的,色彩的搭配没有对与错,只有美与不美。
4.求关于绘画的知识
绘画定义 : 1.作画。
用笔等工具,墨、颜料等材料,在纸、纺织物、墙壁等表面上画图或作其他可视的形象。 2.绘出的图或画。
绘画是一种在二维的平面上以手工方式临摹自然的艺术,在中世纪的欧洲,常把绘画称作“猴子的艺术”,因为如同猴子喜欢模仿人类活动一样,绘画也是模仿场景。 在20世纪以前,绘画模仿得越真实,技术越高超,但进入20世纪,随着摄影技术的出现和发展,绘画开始转向表现画家主观自我的方向,看到一幅画鉴赏家有时已经说不清画的是什么,但一定能说出是谁画的。
每个画家开始发展自己独特的风格。不同的画家风格不同,也有不同的价值。
20世纪初,有些画家的风格因评画者不能接受而被冷落甚至贬低,这就是为什么有些画家画的很好而并不出名或甚至被冻死、饿死的缘故。 查阅国际君友会资讯中心关于绘画的释义是:绘画在艺术层面上,是一个以表面作为支撑面,再在其之上加上颜色的行为,那些表面的例子有纸张、油画布(canvas)、木材、玻璃、漆器或混凝土等。
在艺术用语的层面上,绘画的意义亦包含利用此艺术行为再加上图形(drawing)、构图及其他美学方法去达到表现出从事者希望表达的概念及意思。 绘画是一个捕捉、记录及表现不同创意目的的形式,它及其参与者的数量同样地为数众多。
绘画的本质可以是自然及具像派的(如静物画(still life)或风景画)、影像绘画(photographic painting)、抽象画、有叙事性质的、象征主义、情感的或政治性质的。历史上有一大部分的绘画被灵性主题及概念所主导,这些绘画形式由陶器上的神话角色到西丝汀教堂的内壁及天花板上的圣经故事场景都有,它们会透过人类身体本身去表达灵性的主题。
绘画是一种在二维的平面上以手工方式临摹自然的艺术,在中世纪的欧洲,常把绘画称作「猴子的艺术」,因为如同猴子喜欢模仿人类活动一样,绘画也是模仿场景。 在20世纪以前,绘画模仿的越真实技术越高超,但进入20世纪,随着摄影技术的出现和发展,绘画开始转向表现画家主观自我的方向,看到一幅画鉴赏家有时已经说不清画的是什么,但一定能说出是谁画的。
每个画家开始发展自己独特的风格。 油画及水彩画是西方文化中知名度最高的绘画媒体,它们在风格和主题有丰富且复杂的传统。
在东方,黑色及彩色的水墨画则主导了绘画媒体的选择,但是它在风格和主题上和西方一样同样有着丰富且复杂的传统。 绘画的种类 绘画按工具材料和技法的不同,分为中国画 、油画、版画、水彩画、水粉画等主要画种。
中国画又按技法的工细与粗放,分为工笔画和写意画。版画又根据版材的不同,分为木版画、铜版画、纸版画、石版画、丝网版画等;版画还依制版方法和印色技法分类,常见的有腐蚀版画 、油印木刻 、水印木刻 、黑白版画 、套色版画等。
以上画种,又依描绘对象的不同,分为人物画 、风景画 、静物画等。人物画又依据描绘题材内容的不同,分为肖像画 、历史画 、宗教画、风俗画、军事画 、人体画。
史前绘画 已知最古老的绘画位于法国肖维岩洞(Grotte Chauvet),部分历史学家认为它可以追溯至32000年前。那些画经由红赭石(red ochre)和黑色颜料作雕刻及绘画,主题有马、犀牛、狮子、水牛、猛犸象或是打猎归来的人类。
石洞壁画在世界各地均十分常见,例如法国、西班牙、葡萄牙、澳大利亚及印度等。这些绘画的发现对其存在目的引起了众多不同的猜测,有些假设指出那些绘画是当时的人认为绘画可以捕捉动物的灵魂,令他们狩猎更为顺利;一些假设则认为那是泛灵论的一种现象,表达他们对自然的尊敬;亦有另一假设指人类与生俱来已有自我表达的需要,而那些绘画正是其结果;此外亦有那是作为应用资讯的传播的观点。
中国绘画的源流 中国绘画的历史最早可追溯到原始社会新石器时代的彩陶纹饰和岩画,原始绘画技巧虽幼稚,但已掌握了初步的造型能力,对动物、植物等动静形态亦能抓住主要特征,用以表达先民的信仰、愿望以及对于生活的美化装饰。 先秦绘画己在一些古籍中有了记载,如周代宫、明堂、庙祠中的历史人物、战国漆器、青铜器纹饰,楚国出土帛画等,都己达到较高的水平。
秦汉王朝是中国早期历史建立的中央集权制大国,疆域辽阔,国势强盛,丝绸之路沟通着中外艺术交流,绘画艺术空前发展与繁荣。尤其是汉代盛行厚葬之风,其墓室壁画、画像砖、画像石,以及随葬帛画,生动塑造了现实、历史、神话人物形象,具有动态性、情节性,在反映现实生活方面取得了重大成就。
其画风往往气魄宏大,笔势流动,既有粗犷豪放,又有细密瑰丽,内容丰富博杂,形式多姿多彩。 魏晋南北朝时期,战争频仍,民生疾苦,但是绘画仍取得了较大的发展,苦难给佛教提供了传播的土壤,佛教美术勃然兴起。
如新疆克孜尔石窟,甘肃麦积山石窟,敦煌莫高窟都保存了大量的该时期壁画,艺术造诣极高。由于上层社会对绘事的爱好和参与,除了工匠,还涌现出一批有文化教养的上流社会知名画家,如顾恺之等。
这一时期玄学流行,文人崇尚飘逸通脱,画史画论等著作开始出现,山水画、花鸟画开始萌芽,这个。
5.绘画基础知识
颜色问题:
1 懂得三原色,即:红 黄 蓝。
2 知道冷色与暖色的区别。
3 懂得怎样配色更好,并知道什么是互补色,即:红语绿 蓝与橘 黄与紫。
造型问题:
1 学会基本的速写,这对画画很重要!
2 明白并会画出空间感,让物体层次拉开。
3 知道透视关系,即,近大远小,近实远虚,近高远低,两条直线无限延伸最后消失为一点。
4 学会重点刻画局部东西。
5 物体的黑白灰关系
其实还是要多看多学,我只是把多年画画的经验告诉你,还是要多画。
6.美术常识
对于初学者来说,不应该对他讲天赋之类的词,这样很容易让他思想走极端,也或多或少会打击他的信心。
没有美感也不用害怕,把心放冷静多去观查周围的人、物、事,还没有学画就想能有很好的画技,那是不可能了。想画好画首先就要去学,然后用心的多练。想要搭配好颜色,多看看色彩画,可丹青,可小汾,可油画等等,一切有颜色的画都可以。
不过话又说回来,不管是刚刚学,还是自己练习,或是自己创作都要有信心,把心也稍放淡漠点。
多加练习,找一个你理想的美术学校的老师对你一个人进行单练.多观察生活,多浏览优秀美术作品,并临摹.多听关于美术的讲座.还必须多写生.多上网看看世界各地的风景.在画完某幅画一周后,拿出来找不足,并纪录不足处.往后画画的时候多留意你往常的缺陷,把薄弱变得坚固. 祝你考出理想的成绩!!!!
7.绘画的常识是什么,如何精通绘画
绘画常识【美术】通常指绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等在空间开展的、表态的、诉之于人们视觉的一种艺术。
十七世纪欧洲开始使用这一名称时,泛指具有美学意义的绘画、雕刻、文学、音乐等。我“五四”前后开始普遍应用这一名词时,也具有相当于整个艺术的涵义。
例如鲁迅在一九一三年解释“美术”一词时写道:“美术为词……译自英之爱忒。爱忒云者,原出希腊,其谊为艺。
随后不久,我国另以“艺术”,一词翻译“爱忒”,“美术”一词便成为专指绘画等视觉艺术的名称了。【型表现手段】造型艺术中创造艺术形象的手法和手段。
如绘画借助于色彩、明暗、线条、解剖和透视;雕塑借助于体积和结构等。这些手法和手段,通过长期的艺术实践,形成了这些造型艺术各自独具的特殊的艺术语言,并决定了这些艺术各不相同的表现法则,关系到塑艺术形象的成败,以及艺术作品的感染力。
艺术家对造型表现手段的规律性的不断探索,精益求精,是使艺术创作能够表现新的生活内容和满足人们不断发展的审美爱好的必要条件。【黄金分割】亦称黄金律、黄金比例。
在一条线段上,按照最佳长短比例,将此线段分割为长段与短段,或按此最佳长短线段的比例构成一个矩形的最佳的长边与短边的比例,即构成黄金分割。【二度空间】绘画术语。
指由长度(左右)和高度(上下)两个因素组成的平面空间。在绘画中为了真实的再现物象,往往借助透视、明暗等造型手段,在二度空间的平面上造成纵深的感觉和物象的立体效果,即以二度空间造成自然对象那种三度空间的幻觉。
有些绘画,如装饰性绘画、图案画等,不要求表现强烈的纵深效果,而是有意在二度空间中追求扁平的意味,来获得艺术表现力。【三度空间】绘画术语。
指由长度(左右)、高度(上下)、深度(纵深)三个因素构成的立体空间。绘画中,为真实地再现物象,必须在平面上表现出三度空间的立体和纵深效果。
【质感】绘画、雕塑等造型艺术通过不同的表现手法,在作品中表现出各种物体所具有的特质,如丝绸、肌肤、水、石等物的轻重、软硬、糙滑等各各不同的质的特征,给予人们以真实感和美感。【量感】借助明暗、色彩、线条等造型因素,表达出物体的轻重、厚薄、大小、多少等感觉。
如山石的凝重,风烟的轻逸等。绘画中表现实在的物体都要求传达出对象所特有的分量和实在感。
运用量的对比关系,可产生多样统一的效果。【空间感】在绘画中,依照几何透视和空气透视的原理,描绘出物体之间的远近、层次、穿插等关系,使之在平面的绘画上传达出有深度的立体的空间感觉。
【体积感】绘画术语。指在绘画平面上所表现的可视物体能够给人以一种占有三度空间的立体感觉。
在绘画上,任何可视物体都是由物体本身的结构所决定和由不同方向、角度的块面所组成的。因此,在绘画上把握被画物的结构特征和分析其体面关系,是达到体积感的必要步骤。
【透视】绘画法理论术语。“透视”一词原于拉丁文“perspclre”(看透)。
最初研究透视是采取通过一块透明的平面去看景物的方法,将所见景物准确描画在这块平面上,即成该景物的透视图。后遂将在平面画幅上根据一定原理,用线条来显示物体的空间位置、轮廓和投影的科学称为透视学。
【透视有三种】1 色彩透视 2 消逝透视 3 线透视.这是达芬奇总结的其中最常用到的是线透视.透视学在绘画中占很大的比重,它的基本原理是,在画者和被画物体之间假想一面玻璃,固定住眼睛的位置(用一只眼睛看),连接物体的关键点与眼睛形成视线,再相交与假想的玻璃.在玻璃上呈现的各个点的位置就是你要画的三维物体在二维平面上的点的位置.这是西方古典绘画透视学的应用方法.如中国画在的透视学应用:(1) 【多视点】中国画善于表现丰富的情节,西方绘画注重单视点(类似于摄影).中国画讲求的丰富情节用单视点是不能完成的.因此,中国画用(类似于把摄象的多镜头分割再重新组合)多视点来表现.如(2) 【高视高】采用微俯的视角表现,"远山即高"高山往往是画在远处的,其间再用云雾缭绕加以衔接.表现一种人比山高的心情.中国画是不采用近距离仰视来表现高山的.(2) 【远视距】中国画讲求"仗山尺树,寸马豆人"要求画中物体符合事物的正常比例,因此,画者必须采用远视距来表现.毕加索的作品打破了透视学的基本规律,把一个物体的正面反面,能看见的不能看见的全都表现在一个二维的空间中.理解毕加索的画首先要抛弃透视学.现在的画家已经开始无视一切规则,尝试打破所有的规则.但这些做法又在一个基本的哲学规则之中----打破一个旧的规则,创造新的规则.透视的基本术语【视平线】:就是与画者眼睛平行的水平线。【心点】:就是画者眼睛正对着视平线上的一点。
【视点】:就是画者眼睛的位置。【视中线】:就是视点与心点相连,与视平线成直角的线。
【消失点】:就是与画面不平行的成角物体,在透视中伸远到视平线心点两旁的消失点。【天点】:就是近高远低的倾斜物体(房子房盖的前面),消失在视平线以上的点。
【地点】:就是近高远低的倾斜物休(房子房盖的后面),消失在视平线以下。
8.关于绘画的知识
所谓构图,也就是艺术家利用视觉要素在画面上按着空间把它们组织起来的构成,是在形式美方面诉诸于视觉的点、线、形态、用光、明暗、色彩的配合。
构图的目的:构图的目的是把构思中典型化了的人或物加以强调、突出,从而舍弃那些一般的、表面的、繁琐的、次要的东西,并恰当地安排陪体,选择环境,使作品比现实生活更高、更强烈、更完善、更集中、更典型、更理想,以增强艺术效果。在我们平时训练和考试当中所面对的石膏像及人物、静物组合时主要任务是根据视角安排位置和比例的关系以及适当的灵活变动用运。
构图的重要性:中国传统绘画中又有 "展纸作画章法第一" 因此构图称为画面总要,所谓总要就是纲要、概要的意思,画面构图象写文章一样,做到有章有法,有次有主,相互呼应,虚实对比,藏露隐现,简繁适中,疏密无间等的构图规律,服从于主题表现的要求,同时又要取得整体形式感的完美和谐的统一,可见构图对于画面的重要性。 高考美术试卷的评定与一般美术教学作业评分过程不太一样。
高考试卷数量多、水平悬殊;工作量大、时间紧、评委劳累。每张试卷在评委面前只能停留几秒钟,不可能放在远处反复斟酌。
评分多采用划分分数段形式。所以,试卷大效果(第一印象)对于成绩的高低往往起着很大的作用。
而第一印象则是大效果、自然 包括构图,不了解这一点,很难取得优异成绩。 考生要在四开铅画纸上用三个小时完成一个写生或默写,并非易事。
从历年高考美术专业招生考试的卷面情况看,除部分优秀者外,一般都存在这样或那样的问题。其中构图问题则是首要问题和普遍问题。
画面构图不当,或画得过大,甚至把对象某些部分挤出了画面;或画得过小,空白过多,主体不突出;或画得过偏,左右失去平衡;或画得过高,顶天不着地;或画得过低,沉地不着天。这些毛病都会损害画面效果和成绩的提高。
下面就简单谈谈高考美术的构图原则和方法、以及在实际教学过程中怎样进行合理有效的构图训练。 构图的两个原则 (1)"完整"要求画面饱满、舒适,形象完整、主题突出。
一些考生往往容易把物体对象画的太大或太小;过于集中或过于松散。都不能给人以美感,失去了构图的意义。
(2)"变化统一"变化统一是构图的手段。构图的美学原则主要是既要有对比和变化,又要能和谐统一,最忌呆板、平均、完全对称及无对比关系的画面,因为这将令人感到非常乏味和沉闷。
画面如果有聚散疏密和主次对比,有内在的接合及非等量的面积和形状的左右平衡,就会产生生动、多变、和谐统一的画面效果。懂得这一规则,会使我们的构图千变万化,并展现其特有的魅力。
构图原则是对画面内容和形式整体的考虑和安排。同时在构图中还要注意三个要点 (1)画面主体图形的位置。
主要部分置于画面中心,将对象整体与边框距离处理得当。同学们要注意,"画面中心"并不是画面的等分中心,它是以人的视觉方式确定的。
这一中心,是以黄金分割定律原理确定的位置,即以1∶0.618的比例分割画面,得出画面中的四个相交位置,这四个位置即是接近画面中心的"构图中心点"。我们可以将写生对象的主要部分,置于其中任何一点,即可得到满意的构图形式(见下图)。
(2)非主体图形的位置以及与主体图形的关系。画面的主体中心确定之后,就要考虑次要物体及陪衬物体的定位。
主体物可以是一件较大的物体,也可以是几个组合物;次要物体一般在面积上应小于主体物;而陪衬和点缀物的单体面积则应更小一些;衬布的选择与安排应考虑画面的色调联系;画面物体的组织与安排,有了主次、大小变化就能使我们较容易地制造丰富的对比和变化。 (3)画面底形的位置以及与图形的关系。
在三个要点中,第一要点是构图的决定因素,它在画面中的位置决定了画面的样式。 一般来讲人物头像类构图的应用相对简单,而静物、风景类构图的应用则相对复杂一些。
考生需要对此进行专题学习和训练,认真掌握好它的操作步骤和方法,以及其表现原则和样式类型。 在平时的训练中老师一方面可以通过对优秀作品构图形式解度和欣赏来让学生理解,另一方面就是通过作业的形式有意识、有针对性让学生进行学习训练,以达到从思想意识和理论认识两方面加深重视程度和理解认识、如何在画面中取景、以何种视角来确立画面;同时还可以让学生自己摆静物、训练组织物体的能力。
因为在日常的静物写生训练中,大量的时间是需要考生独立完成写生练习的,所以对静物写生的构图安排,不仅体现在画面中,而且还直接反映在对写生对象的摆设和组织上。特别需要指出的是考生应培养自己的应变组织能力,因为如果是在写生考试中,经常出现的是已确定的内容,而考生的考位是随机和偶然的,这就要求考生能在面对对象的任何角度熟练、合理地组织画面的构图,使它符合构图原则, 构图的样式分为两大类:对称式构图和均衡式构图。
对称式构图:主形置于面面中心,非主形置于主形两边,起平衡作用,底形被均匀分割。对称式构图一般表达静态内容。
对称构图的变化样式有:金字塔式构图、平衡式构图、放射式构图等; 均。