1. 词曲的知识（资料）
词
词本来是古代的歌词，是配上音乐供人歌唱的。后来歌曲的乐谱逐渐失传，词也就跟音乐脱离了，成为诗的别体，所以有人把词称为"诗余"，意思是诗的余绪。可以给词下了这样一个定义："一种律化的、长短句的、固定字数的诗。”
词脱离音乐以后，虽然原来的唱腔一般已无法掌握，但仍保留着同歌曲结合在一起的字面格式和特殊的格律规范。不同曲调的歌词，它的段数、句数、字数、押韵、平仄和对仗都有不同的格式。
词牌，也称为词格，是填词用的曲调名。词牌与词的内容并不相关。当词完全脱离曲之后，词牌便仅作为文字、音韵结构的一种定式。
词的种类大致可分为：（1）小令；（2）中调；（3）长调。
一般，58字以内为小令，59~90字为中调，91字以上为长调。
词的段落叫做"阕"或"片"。
一首词只有一段的叫“单调”，一般很多小令都是单调。
一首词有两段的叫“双调”，双调的词分前后两阕，也家上下两片。一般中调和长调都是双调，不过也有双调的小令。
元曲的组成，包括两类文体：一是包括小令、带过曲和套数的散曲；二是由套数组成的曲文，间杂以宾白和科范，专为舞台上演出的杂剧。
杂剧属于戏剧的一种，而散曲则属于像词的一种特殊的诗歌。一般我们学习的元曲主要是散曲。
曲牌：是对各种曲调的泛称。规定了该曲的字数、句法、平仄、押韵等。与内容没有很大关系。
曲
元曲共有335个曲牌。曲牌大都来自民间，还有一部分是由词发展而来，故曲牌名也有和词牌名相同的，但是内容并不完全一致。
唐诗、宋词和元曲在句法和风格上都是不同的。曲比较通俗，诗和词则雅一些。
2. 创作歌曲的基本知识 在线等
1、天赋（虽说后天也重要，但好歌真的不是每个人都写得出的） 2、灵感（激发旋律产生） 3、生活中的感性刺激（主旋律完成） 4、对音乐的领悟力（旋律修改） 5、对音乐的感受力（旋律、节奏的把握调整） 6、自身语文文字的功底（词的编写） 7、乐理基本知识（谱曲） 8、对乐器的感受力、编曲的经验和音乐的功底（编曲） 上述括号内就是创作的一步一步 通常最佳、最舒服的创作是旋律自发由心底发出，如果能带词哼出更好，6、7、8三步需要自己后天补音乐知识，前面就需要积累了。
现在的流行歌手创作歌曲有的歌是旋律自发由心底发出得到的，而有的是通过弹奏乐器（可能是直接弹出伴奏）找旋律，有的是由词找旋律。 我给你的建议是不要被什么步骤啊、书本啊局限住了，创作的最佳状态是思想自由，刚开始不需要管“小节有多少个音，要作多少个音入去”，先把主旋律找准了这些只需要4、5中处理就OK了的。
我创作的习惯是词曲由心直发，目前已经写了70余首风格不同的歌了（编曲的只2首，我乐理不好），个人的创作习惯都不一样的，自由发挥吧~加油。
3. 简谱的基本知识
简谱是记谱法一种。由于它简单明了、通俗易懂，在记谱、读谱上有很大的方便。简谱是用阿拉伯数字1、2、3、4、5、6、7来记录音高的一种记谱法。
标记：1 2 3 4 5 6 7 i
唱法：do rimi fa sol la sido
音的高低：简谱区别音的高低，是用添写高低音点来记录音的高低。
记写在音符上面的小圆点叫做高音点，带有一个高音点的音符叫做高音，即表示高八度演唱，带有两个高音点的音符叫做倍高音，表示高两个八度演唱；
记写在音符下面的小圆点是低音点，带有一个低音点的音符叫做低音，表示低八度演唱。带有两个低音点的音符叫做倍低音，表示低两个八度演唱。
音符的上下都没有小圆点的音符叫做中音。
要准确地表示音的绝对高度，还要应用调号标记。调号标记是用1=F、1=G……等来表示的。
音的长短：在简谱中，音的长短是在通过在音符后面或下面加短横线来表示的。
加在音符后面的线，叫延时线，每增加一条延时线时值增加一拍。
如：
全音符（在音符后面加三条短横线） 5 — — — 唱四拍
二分音符（在音符后面加一条短横线）5 — 唱二拍
四分音符（音符的后面或下面都不加线）如： 5 唱一拍
加在音符下面的线，叫减时线，每增加一条减时线时值减少二分之一。
如：
八分音符 5（在音符下加一条短的横线） 唱半拍
十六分音符 5（在音符下加两条短的横线）唱四分之一拍
三十二分音符 5（在音符下加三条短的横线）唱八分之一拍
此外，还可以通过在音符（或休止符）后面加小圆点来延长该音符的时值。加在音符后面的小圆点叫附点，带有附点的音符叫附点音符。附点的作用是延长它前面那个音符二分之一时值。
表示音的休止的基本符号是休止符（0）为了表示不同长度的休止，可用增加0的数目的方法来表示。通常所用的休止符如下：
全休止符： 0 0 0 0
二分休止符：0 0
四分休止符：0
八分休止符：0 （下加一横线）
十六分休止符：0 （下加二横线）
三十二分休止符：0（下加三横线）
在简谱体系中不存在谱号问题。它的音高是通过音符和调号来表示的。
简谱中的拍号和五线谱一样，用分数标记，它和调号一起记在乐曲名称的左下方，先记调号后记拍号。乐曲名称的右下方则词曲作者的姓名。
4. 创作歌曲的基本知识 在线等
1、天赋（虽说后天也重要，但好歌真的不是每个人都写得出的）
2、灵感（激发旋律产生）
3、生活中的感性刺激（主旋律完成）
4、对音乐的领悟力（旋律修改）
5、对音乐的感受力（旋律、节奏的把握调整）
6、自身语文文字的功底（词的编写）
7、乐理基本知识（谱曲）
8、对乐器的感受力、编曲的经验和音乐的功底（编曲）
上述括号内就是创作的一步一步
通常最佳、最舒服的创作是旋律自发由心底发出，如果能带词哼出更好，6、7、8三步需要自己后天补音乐知识，前面就需要积累了。
现在的流行歌手创作歌曲有的歌是旋律自发由心底发出得到的，而有的是通过弹奏乐器（可能是直接弹出伴奏）找旋律，有的是由词找旋律。
我给你的建议是不要被什么步骤啊、书本啊局限住了，创作的最佳状态是思想自由，刚开始不需要管“小节有多少个音，要作多少个音入去”，先把主旋律找准了这些只需要4、5中处理就OK了的。
我创作的习惯是词曲由心直发，目前已经写了70余首风格不同的歌了（编曲的只2首，我乐理不好），个人的创作习惯都不一样的，自由发挥吧~加油！
5. 有关简谱的知识,
简谱是法国的卢梭发明的后来40年代传到了中国，目前可能只有中国和几个亚洲国家使用。
简谱和五线谱一样也分音高、节奏、强弱等等记录乐曲的方法叫做记谱法。 在历史发展过程中，由于乐曲的不同内容和需要而产生了各种各样的记谱方法。
如为古琴用的古琴谱，为锣鼓用的锣鼓谱，以及我们现在普遍应用的五线谱、简谱和在我国民间应用的工尺谱等便是。 各种记谱法虽然在其发展中不断地趋向完善，但到目前为止，世界上还没有一种记谱法能够完美无缺地记录音乐。
如音高、力度、速度上的细微差异，许多装饰音的奏法等，都还需要演奏者凭其各自不同的理解来加以具体的分析和处理。 正确的记谱对创作和表演都是十分重要的，每个学音乐的人应该很好地掌握记谱法，特别是对学作曲的人来说，具有更为重要的意义 基础乐理--谱号 前面已经讲过，在五线谱上音的位置愈高，音也愈高，反之音的位置愈低，音也愈低，但到底高多少？低多少？却无法确定。
在五线谱上要确定音的高低，必须用谱号来标明。这种谱号记在五线谱的某一条线上，便使这条线具有了固定的音级名称和高度，同时也确定了其他各线上或间内的音级名称和高度。
通常用的谱号有三种： G谱号 表示小字一组的g，记在五线谱的第二线上，叫高音谱号；另外有记在第一线上的，叫古法国式高音谱号。 F谱号 表示小字组的f，记在五线谱的第四线上，叫低音谱号；另外还有记在第五线上的，叫倍低音谱号。
C谱号 表示小字一组的c，可记在五线谱的任何一线上。 目前被采用的C谱号有C三线谱号（中音谱号）为中音提琴所用，有时也长号所用。
C四线谱号（次中音谱号）为大提琴、大管和长号所用。其他C谱号一般较少应用。
使用许多谱号的目的是为了避免过多的加线，以使写谱和读谱更加方便。 各种谱号可以单独使用，也可以连接起来使用，如高、低音谱号所组成的大谱表便是。
基础乐理--音的分组 前面已经讲过，钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称，因此，在音列中便产生了许多同名的音，为了区分音名相同而音高不同的各音，我们将音列分成许多个"组"。 在音列中央的的一组叫做小字一组，它的音级标记用小写字母并在右上方加数字1来表示，如c1d1e1等。
比小字一组高的组顺次定名为：小字二组、小字三组、小字四组、小字五组。 小字二组的标记用小写字母并在右上方加数字2来表示，如c2d2e2等。
其他各组依次类推。 比小字一组低的组，依次定名为小组、大字组、大字一组及大字二组。
小字组各音的标记用不带数字的小写字母来表示，如cde等。 大字组用不带数字的大写字母来标记，如CDE等。
大字一组用大写字母并在右下方加数字1来标明，如C1D1E1等。 大字二组用大写字母并在右下方加数字2来标明，如A2B2等。
基础乐理--十二平均律 将八度分成十二个均等的部分-半音-的音律叫做十二平均律。 十二平均律早在古代希腊时便有人提出了，但并未加以科学的计算。
世界上最早根据数学来制订十二平均律的是我国明朝大音乐家朱载（土育）（1854年）。 半音是十二平均律组织中最小的音高距离。
两音间的距离等于两个半音的叫做全音。八度内包括有十二个半音，也就是六个全音。
在音列的基本音级中间，除了E到F、B到C是半音外，其余相邻两音间的距离都是全音。 在钢琴上，相邻的两个琴键（包括黑键）都构成半音，隔开一个琴键的两个音则都构成全音。
基础乐理--音律 乐音体系中各音的绝对准确高度及其相互关系叫做音律。音律是在长期的音乐实践发展中形成的，并成为确定调式音高的基础。
在历史发展过程中，曾采用过各种各样的方法来确定乐音体系中各音的高度，其中主要的、为大家所熟知的有"纯律"、"五度相生律"和"十二平均律"三种。目前被世界各国所广泛采用的是"十二平均律"。
但"纯律"和"五度相生律"在音乐生活中仍继续发生着影响并具有重大的意义。 关于音级的介绍 音级是乐音体系中的各音，它有基本音级和变化两种。
前者在乐音体系中具有七个独立的名称，钢琴键盘上白键所发出的音是与基本音级相符合的。后者是将基本音级加以升高或降低而得来的。
基本音级的名称，用字母体系和唱各体系两种方式来标记： 字母体系：c、d、e、f、g、a、b 唱各体系：do、re、mi、fa、sol、la、xi 目前国内的音乐基础知识业余考级里所指的音级是调式音级。调式音阶中的各音就叫做调式音级。
每个音阶中的主音也就是调式音阶中的I级音。每个调式音阶的主音不同但标记永远以主音为I级。
do、re、mi、fa、sol、la、xi、do 例：C自然大调标记： la、xi、do、re、mi、fa、sol、la a自然小调标记：i ii iii iv v vi vii i 大调音阶用大写字母标记，小调音阶用小写字母标记。 练习提示： 1.弹出标准音用来听辩主和弦和主音，把主和弦和主音听辩正确后即能确定你所做的题应是什么调式。
2.弹奏题目中的调式音，用第一步确定好的调试音阶来判断此调式音的音阶。 乐理知识-音及音高 音是由于物体的振动而产生的。
在自然界中能为我们人的听觉所感受的音是非常多的，但并不是所有的音都可以作为音乐的材料。在音乐中所使用的音，。
6. 求作曲、音乐专业知识的介绍和解释
（以下内容来自百度。）
作曲，——简单地说是指把自己想到的前人没有创作过的曲子用简谱或五线谱等方法记录下来，把自己的旋律表达出来。但很多人在思想上会产生一个误区，把编曲也归纳进作曲的范围之内，其实两者是两个完全不一样的概念。
简单地说，作曲是把旋律无中生有想出来，而编曲则是依照旋律，添加上各种音色，配上和弦，把作的曲表达出来。 表述定义 作曲的准确定义是compose，即“组织”的意思。
什么是组织？就是对素材进行整合、组装、创造性地安排、使用。因此，严格地说，按照西方音乐的标准，旋律创作不一定属于真正的作曲，对素材进行严密的安排组织并成为最后可以演奏的音乐才是作曲 风格分类 根据法国音乐界的定义，作曲的风格可以分为三类： 1、ANAMORPHOSE：这种风格强调音乐的主体几乎不变，改变的只是听者的感受； 2、METAMORPHOSE：这种风格需要音乐产生一种渐进的变化，主导思想认为音乐就如同一个生命，会因为新陈代谢逐渐产生变化和变形。
上一个章节的音乐表现形式虽然结束，但下一个章节的音乐表现形式是上一中表现的自然演变，这种变化不是突然的，是一个渐进的过程。这就是METABOLE。
3、CORRESPONDANCE：这种风格相对较为自由，由听者每个人自己去寻找不同音乐部分的呼应关系。 前奏过后，跟著来的有音乐的主歌（Verse）、副歌（Chorus），音乐过门 及结尾（Intrumental and Ending）。
主歌可以说是内容，是每首音乐的主干。而 音乐的结构是有一特定型式的，此结构型式在乐理上称之为 Form。
一般的歌曲 大多作 AA'BA' Form。A 代表主歌，而 B 段是副歌。
亦即是说，通常一首歌的 构造就是由前奏，两段主歌，一段副歌，过门音乐，再来一次的副歌和主歌， 以及结尾音乐顺序地连接而成的。 音乐副歌歌曲结构 一般流行歌曲的结构是以主歌（Verse）(A)，副歌（Chorus）(B)，过渡句（插句）（C），流行句（记忆点）（D），桥段（Instrumental and Ending）（序唱，过门，间奏）（E）等组成，一般来说，单二部曲式最为多见。
主歌可以说是内容，是每首音乐的主干。而 音乐的结构是有一特定型式的，此结构型式在乐理上称之为 Form。
一般的歌曲 大多作 AA'BA' Form。A 代表主歌，而 B 段是副歌。
亦即是说，通常一首歌的 构造就是由前奏，两段主歌，一段副歌，过门音乐，再来一次的副歌和主歌， 以及结尾音乐顺序地连接而成的。不同类型的 Form 有很多，如 Blues Form, Jazz Form；古典音乐的 Form 更多，例如 Sonata,Ternary,Rondo 或 Rondo- Sonata 等等有关 Form 的术语，就是我们在唱片封套上的作品名称旁边偶然看见的字样。
当副歌奏完之后，通当接著有音乐过门。一段过门可能是套用主歌或副歌，其中的某段旋律，甚至套用前奏的旋律亦可。
最考功夫的是一段音乐过门与前奏，主歌和副歌的旋律既不近似，而且又要不离题。原来单是听音乐过门，就可欣赏到编曲者或作曲者的功力了。
在整首歌终结之前，大多有一段作完结的纯音乐 （Ending）。比如将歌的最后一句重复一次，或重复多次并且渐渐降低声量至完全没有声音（Fade Out） 而作完结，就是一些经常听见的 Ending 表现方式。
因为副歌有重复，对比两大功能，副歌就成为流行歌曲必不可少而普遍采用的曲式结构。这就是A-B的基本曲式形式结构，大部分歌曲的流行句式，记忆点都设置在副歌部分。
写好副歌，甚至先写出副歌部分，是许多流行歌曲作家常常采用的写作步骤，并获得成功。 副歌的动能 1， 对比性：在节奏上，情感上一定要与主歌形成对比，为曲调提供较大的对比变化 2， 重复性：在流行句式上获得重复或变化重复，是流行歌曲传播最重要因素，不可不在意，但也不能对情绪不加以克制 3， 发展与概括性：歌曲的高潮往往设计在副歌内出现，而高潮的内容往往要求概括性。
主歌可以说是内容，是每首音乐的主干。它是对重要的人、事、情的主要交代的那部分；副歌就是指那内容区别于主歌，发展与概括性比较强的且在节奏情感曲调上与主歌形成对比的那一段。
在很多歌曲中，副歌部分经常作一个感情的升华，是全词的画龙点睛之处。抒情的成分居多，概括性很强。
而主歌副歌之外还有一个很重要的结构的就是流行句，也指记忆点，这是因为一首曲子中人们无法记忆全部，而多只会哼那么一两句，并且流行开来，而这被人们记忆住的一两句就是词的流行句，就是所谓的流行句（也即记忆点了）。
7. 明清传奇中的词曲知识
明清传奇 14世纪中叶~20世纪初，从宋元南戏和金元杂剧发展与丰富起来的中国戏曲艺术。
剧本体制有许多新的创造，表演艺术在明代中叶以后达到了高峰，从而构成了中国戏曲繁荣发展的新阶段。 兴起和发展 传奇在明初并不发达。
明代中叶以后，嘉靖、万历年间，社会经济有明显的发展，传奇创作的题材也因之逐渐开阔，出现了一批抨击时政，歌颂青年男女突破封建礼教藩篱，追求个性解放的剧作。明初阶段仍然勉力维持统治地位的杂剧，此时已经衰微，而从“村坊小曲”、“里巷歌谣”基础上产生的南戏，却深得群众的喜爱与支持，获得了蓬勃的发展。
诸腔的竞胜和各阶层对演剧的强烈兴趣 ，激发了剧作者的创作热情，大量传奇是在这种情况下诞生的。各种声腔都有一定数量的剧目，昆山腔自梁辰鱼按本系统声律的要求创作《浣纱记》获得成功之后，在文人士大夫中掀起了创作的热潮。
明末清初，昆山腔因统治阶级的提倡和昆、弋争胜形势下表演艺术的精进 ，仍能维持领袖剧坛的余势；弋阳诸腔则在民间广泛流传，发展为许多新的地方戏曲声腔。康熙时期的洪升和孔尚任运用历史题材，总结为人们所关心的国家兴亡的历史教训，“垂戒来世”、“惩创人心”，写出了《长生殿》和《桃花扇》，成为清代传奇的压卷之作。
乾隆以后，清朝统治者进一步加强了对士大夫的思想控制，大兴文字狱，传奇创作由是步入衰微，它的地位被蓬勃兴起的各种地方戏曲所取代。中国戏曲又跨入另一个崭新的阶段。
作家和作品 传奇是南戏系统各剧种剧本的总称。明清传奇指当时活跃在舞台上的海盐、余姚、弋阳、昆山等声腔及由它们流变的诸腔演出的剧本 。
它的数量 ，据目前所知，约有2600种。同一剧本，往往可以通过“改调”的方法，用他种声腔演唱，没有严格的限制。
明代初年，元末涌现的《琵琶记》、《荆钗记》、《白兔记》、《拜月亭》和《杀狗记》等南戏，已经通过改编在民间广泛流传。朱元璋的推崇，对这一阶段传奇创作的思想内容起了一定的影响。
前期作品多为朝廷大吏、志学名流所作。他们的视野和思想受到阶级的制约，创作内容多着力于改编历史故事或金元杂剧、宋元南戏的旧作，并顺应宫廷的旨意宣扬忠孝节义或功名利禄、因果报应。
这一时期也有部分较好的作品，如《寻亲记》对豪绅暴虐行为的抨击，《金印记》对世态炎凉的讽刺，《跃鲤记》对封建宗法制度支配下婆媳关系、家庭矛盾的揭露，《绣襦记》对真挚爱情的歌颂，都有一定的思想深度。从艺术形式看，这些作品虽然保持着南戏的传统特征，但也通过某些改革逐步确立了传奇的剧本体制。
明代后期（嘉靖至崇祯，即1522~1644）的传奇创作盛极一时，汤显祖的《牡丹亭》便是其中杰出的代表。知名的作家除李开先外，还有专心致力于昆山腔传奇创作的梁辰鱼、张凤翼、沈、徐复祚、凌闬初、冯梦龙、阮大铖等200余人。
各类传奇可考者不下700种，内容广泛，风格多样。这时期的作品对社会的黑暗与统治集团的暴虐、贪婪，作了比较深入的揭露和批判，还从个性解放的要求出发，对封建礼教与专制主义作了激烈的批评。
《鸣凤记》、《磨忠记》、《焚香记》、《织锦记》、《牡丹亭》、《玉簪记》、《红梅记》都是其中的优秀剧目。然而，即使是这些具有积极意义的优秀作品，在思想内容上也并不完美。
对清官和帝王抱有幻想，对人民的反抗行动摆脱不了固执的阶级偏见，表现男女爱情大多数不脱才子佳人的俗套。 明末清初的大动荡，使传奇创作又有新的发展。
以李玉为代表的苏州地区作家，继承了《鸣凤记》等传奇反映现实斗争的优良传统，写出了《清忠谱》、《万民安》、《一捧雪》、《人兽关》、《永团圆》、《占花魁》、《千钟禄》等昆曲作品。入清以后，社会矛盾发生了急剧的变化。
一些作家写出了讴歌民族英雄、表彰民族气节的作品。洪踦的《长生殿》、孔尚任的《桃花扇》不仅以主题的深刻和强烈的现实感震动了剧坛，而且以精巧的结构、妥贴的宫调与曲牌，优美的文辞，形成了传奇创作的又一高峰。
清初的传奇作品 ，还有李渔的《笠翁十种曲》、万树的《风流棒》、方成培改前人的《雷峰塔》等。乾隆以后，统治者加强了文化专制，传奇创作受到沉重的打击。
与此同时，朝廷又命张照等御用文人编撰《劝善金科》、《踦平宝筏》、《忠义璇图》等宫廷大戏，以备平时与节日庆典演出需要。由是传奇创作在思想与艺术上都趋于没落。
但传奇的折子戏，却缘于昆、弋争胜而有所发展。从整本传奇中撷取精华段落而相对独立的折子戏，由于故事生动，表演精湛细腻，结构精练而完整，人物形象也鲜明，受到观众的欢迎，许多传奇便借助于折子戏的演出长期保存在舞台上。
明清的戏曲理论，在中国戏曲史上占有重要的地位。明代后期，出现了徐渭的《南词叙录》、王骥德的《曲律》、吕天成的《曲品》、祁彪佳的《远山堂曲品》、李渔的《闲情偶寄》等著作。
对前人的创作和演出实践作了深入的探索和系统的总结，李渔的戏曲理论取得了重大的发展，他较多地接受了王骥德的影响和启发，但也表现了自己的真知灼见，是明清戏曲理论家中的重要代表。 演出与舞台艺。
8. 关于音乐的知识,包括哪些
音乐的基本知识和技能 具有音乐素质的人要进一步学习音乐就必须学习音乐方面的基本技能和知识，音乐基本技能包括：视唱练耳、乐理知识、键盘乐器基础。
视唱练耳是学习音乐的基础，要准确的听辨和视唱出音阶、音程、节奏、旋律必须学习视唱练耳。
乐理也是学音乐的基础，学好相应的乐理知识，才能唱准、唱好歌曲。
键盘乐器基础：键盘乐器和乐理知识的学习是相辅相成的，有了一定的键盘基础才能进行听觉训练和视唱练习。
而发声练习等都离不开键盘乐器。
