1.想了解一些关于歌剧的知识
歌剧（opera）是将音乐（声乐与器乐）、戏剧（剧本与表演）、文学（诗歌）、舞蹈（民间舞与芭蕾）、舞台美术等融为一体的综合性艺术，通常由咏叹调、宣叙调、重唱、合唱、序曲、间奏曲、舞蹈场面等组成（有时也用说白和朗诵）。早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。
歌剧的起源】 1. 歌剧的起源最早可追溯到古希腊时期的悲剧，这种艺术形式是歌剧艺术产生的根源。
2. 中世纪时期的一些音乐形式也为歌剧的产生奠定了基础。首先是10世纪末的宗教剧，后来宗教剧被神秘剧（Mystery）和奇迹剧（Miracles）取代，盛行于14—16世纪；其次是田园剧，这种体裁用音乐、诗歌、戏剧的手段表现乡村生活的场景，它一直盛行到16世纪，成为歌剧的重要起源之一。
3. 文艺复兴时期的牧歌剧也预示着歌剧的诞生。作曲家用牧歌这一体裁形式来谱写诗歌中一些戏剧性场面，或用一组牧歌来描写一些简单的故事情节，后一种形式被成为牧歌剧。
4. 歌剧最直接的起源是15世纪末的幕间剧（Intermedio）。这是穿插在当时喜剧各幕间的一些寓言剧、神话剧或田园剧，到16世纪，各幕之间的幕间剧在情节上组成了一个相关联的故事，并且加入了装饰性的旋律和简单的和声伴奏。
5. 歌剧于16世纪末最终产生与意大利的佛罗伦萨。当时，一群文化艺术界的名人经常在贵族巴尔第（Bardi）和柯尔西（Corsi）家聚会，他们热衷于恢复古希腊的戏剧，力图创造出一种诗歌与音乐相结合的生动艺术。他们认为复调艺术破坏歌词意义的表达，主张采用单声部旋律，并且在实践中发现：在和声伴奏下自由吟唱的音调不但可以用在同一首诗歌中，还可以用于整部戏剧中。随后就产生了最早的歌剧，当时成为田园剧。
歌剧的发展】 17世纪末，在罗马影响最大的是以亚•斯卡拉蒂为代表的那不勒斯歌剧乐派。该乐派在剧中不用合唱及芭蕾场面，而高度发展了被后世称为“美声”的独唱技术。当这种“唯唱工为重”的作风走向极端时，歌剧原有的戏剧性表现力和思想内涵几乎丧失殆尽。于是到18世纪20年代，遂有取材于日常生活、剧情诙谐、音乐质朴的喜歌剧体裁的兴起。意大利喜歌剧的第一部典范之作是帕戈莱西的《女佣作主妇》（1733年首演），该剧原是一部正歌剧的幕间剧，1752年在巴黎上演时，曾遭到保守派的诋毁，因而掀起了歌剧史上著名的“喜歌剧论战”。出于卢梭手笔的法国第一部喜歌剧《乡村占卜师》就是在这场论战和这部歌剧的启示下诞生的。
意大利歌剧在法国最先得到改造，而与法兰西的民族文化结合起来。吕利是法国歌剧（“抒情悲剧”）的奠基人，他除了创造出与法语紧密结合的独唱旋律外，还率先将芭蕾场面运用在歌剧中。在英国，普赛尔在本国假面剧传统的基础上，创造出英国第一部民族歌剧《狄东与伊尼阿斯》。在德、奥，则由海顿、狄特尔斯多夫、莫扎特等人将民间歌唱剧发展成德奥民族歌剧，代表作有莫扎特的《魔笛》等。至18世纪，格鲁克针对当时那不勒斯歌剧的平庸、浮浅，力主歌剧必须有深刻的内容，音乐与戏剧必须统一，表现应纯朴、自然。他的主张和《奥菲欧与优丽狄茜》、《伊菲姬尼在奥利德》等作品对后世歌剧的发展有着很大的影响。
19世纪以后，意大利的g.罗西尼、g.威尔迪、g.普契尼，德国的r.瓦格纳、法国的g.比才、俄罗斯的m.i.格林卡、m.p.穆索尔斯基、p.n.柴科夫斯基等歌剧大师为歌剧的发展作出了重要贡献。成型于18世纪的“轻歌剧”（operettta，意为：小歌剧）已演进、发展成为一种独立的体裁。它的特点是：结构短小、音乐通俗，除独唱、重唱、合唱、舞蹈外，还用说白。奥国作曲家索贝、原籍德国的法国作曲家奥芬·巴赫是这一体裁的确立者。
20世纪的歌剧作曲家中，初期的代表人物是受瓦格纳影响的理查·施特劳斯（《莎乐美》、《玫瑰骑士》）；第一次世界大战后是将无调性原则运用于歌剧创作中的贝尔格（《沃采克》）；40年代迄今则有：斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫、米约、曼诺蒂、巴比尔、奥尔夫、贾纳斯岱拉、亨策、莫尔以及英国著名的作曲家勃里顿等。
2.歌剧的基础知识~是怎么产生的
早在古希腊的戏剧中，就有合唱队的伴唱，有些朗诵甚至也以歌唱的形式出现；中世纪以宗教故事为题材，宣扬宗教观点的神迹剧等亦香火缭绕，持续不断。但真正称得上“音乐的戏剧”的近代西洋歌剧，却是16世纪末、17世纪初，随着文艺复兴时期音乐文化的世俗化而应运产生的。
一般认为欧洲歌剧产生于16世纪末。西方公认的第一部歌剧，是在人文主义影响下，企图恢复古希腊戏剧精神而产生的《达佛涅》（另译《达芙妮》），编剧O.里努奇尼，作曲J.佩里与J.科尔西，1597年（一说完成于1594年）于佛罗伦萨G.巴尔迪伯爵的宫廷内演出，由于此剧原稿失传等原因，也有人把1600年为庆祝亨利四世婚仪而写的《优丽狄茜》做为最早的一部西洋歌剧。由于公众对歌剧的欢迎，1637年威尼斯创设了世界上第一座歌剧院。
17世纪末，在罗马影响最大的是以亚·斯卡拉蒂为代表的那不勒斯歌剧乐派。该乐派在剧中不用合唱及芭蕾场面，而高度发展了被后世称为“美声”的独唱技术。当这种“唯唱工为重”的作风走向极端时，歌剧原有的戏剧性表现力和思想内涵几乎丧失殆尽。于是到18世纪20年代，遂有取材于日常生活、剧情诙谐、音乐质朴的喜歌剧体裁的兴起。意大利喜歌剧的第一部典范之作是帕戈莱西的《女佣作主妇》（1733年首演），该剧原是一部正歌剧的幕间剧，1752年在巴黎上演时，曾遭到保守派的诋毁，因而掀起了歌剧史上著名的“喜歌剧论战”。出于卢梭手笔的法国第一部喜歌剧《乡村占卜师》就是在这场论战和这部歌剧的启示下诞生的。
意大利歌剧在法国最先得到改造，而与法兰西的民族文化结合起来。吕利是法国歌剧（“抒情悲剧”）的奠基人，他除了创造出与法语紧密结合的独唱旋律外，还率先将芭蕾场面运用在歌剧中。在英国，普赛尔在本国假面剧传统的基础上，创造出英国第一部民族歌剧《狄东与伊尼阿斯》。在德、奥，则由海顿、狄特尔斯多夫、莫扎特等人将民间歌唱剧发展成德奥民族歌剧，代表作有莫扎特的《魔笛》等。至18世纪，格鲁克针对当时那不勒斯歌剧的平庸、浮浅，力主歌剧必须有深刻的内容，音乐与戏剧必须统一，表现应纯朴、自然。他的主张和《奥菲欧与优丽狄茜》、《伊菲姬尼在奥利德》等作品对后世歌剧的发展有着很大的影响。
19世纪以后，意大利的G.罗西尼、G.威尔迪、G.普契尼，德国的R.瓦格纳、法国的G.比才、俄罗斯的M.I.格林卡、M.P.穆索尔斯基、P.N.柴科夫斯基等歌剧大师为歌剧的发展作出了重要贡献。成型于18世纪的“轻歌剧”（operettta，意为：小歌剧）已演进、发展成为一种独立的体裁。它的特点是：结构短小、音乐通俗，除独唱、重唱、合唱、舞蹈外，还用说白。奥国作曲家索贝、原籍德国的法国作曲家奥芬巴赫是这一体裁的确立者。
20世纪的歌剧作曲家中，初期的代表人物是受瓦格纳影响的理查·施特劳斯（《莎乐美》、《玫瑰骑士》）；第一次世界大战后是将无调性原则运用于歌剧创作中的贝尔格（《沃采克》）；40年代迄今则有：斯特拉文斯基、普罗科菲耶夫、米约、曼诺蒂、巴比尔、奥尔夫、贾纳斯岱拉、亨策、莫尔以及英国著名的作曲家勃里顿等。
歌剧中的声乐部分包括独唱、重唱与合唱，歌词就是剧中人物的台词（根据样式不同，也可有说白）；器乐部分通常在全剧开幕时有序曲或前奏曲，早期歌剧还间有献词性质的序幕（包括声乐在内）。在每一幕中，器乐除作为歌唱的伴奏外，还起联接的作用。幕与幕之间常用间奏曲连接，或每幕有自己的前奏曲。在戏剧进展中，还可以插入舞蹈。歌剧的音乐结构可以由相对独立的音乐片断连接而成，也可以是连续不断发展的统一结构。
歌剧中重要的声乐样式有朗诵调、咏叹调、小咏叹调、咏叙调、重唱、合唱等；其体裁样式有正歌剧、喜歌剧、大歌剧、小歌剧、轻歌剧、音乐喜剧、室内歌剧、配乐剧等。
我国宋元以来形成的各种戏曲，以歌舞、宾白并重，亦属歌剧的性质。五四运动以来，特别是1942年延安文艺座谈会以后，在民族民间音乐的基础上，借鉴西洋歌剧，逐渐形成和创造了具有中国作风、中国气派的新歌剧。1945年问世的《白毛女》是我国新歌剧成型的标志。全国解放以后，又陆续涌现了《草原之歌》、《刘胡兰》、《小二黑结婚》、《洪湖赤卫队》、《江姐》、《伤逝》、《原野》、《苍原》等有影响的作品。
3.听歌剧,如何起步
1、听之前多了解一些信息，比如听《卡门》、《茶花女》，可以读一读小说、歌剧脚本，再读一下作曲家简介、作品简介。
2、心静的时候听，集中心思听，从头到尾完整听，多听几遍。3、最好先听CD。
很多人听CD能找到感觉，一看到DVD画面上那些肥胖的女高音，兴致全无。4、每种歌剧，先听名版。
有条件时，听听二流指挥家、歌唱家的诠释。对比之下，你能发现名版的妙处所在。
这往往也是歌剧的精华所在。5、不要先听《图兰朵》，这部作品有点晦涩、艰深（世界公认的），尽管故事发生在中国，并有“今夜无人入睡”的名段。
4.请告诉我一些有关歌剧方面的知识
歌剧就是声乐，舞蹈，和话剧的结合~他是把一段或一章歌曲的内容情节，在演唱时加以伴舞和表演~歌剧表演者大部分都在意大利，那些著名的歌唱家都演过歌剧~！经典歌剧很多，一般必听的是这十大歌剧~费加罗的婚礼（四幕喜歌剧）阿伊达（四幕歌剧）茶花女（四幕歌剧） 费德里奥（二幕歌剧） 浮士德（五幕歌剧） 蝴蝶夫人（三幕歌剧） 卡门（四幕歌剧）普契尼：图兰朵 弄臣（四幕歌剧） 魔笛 奥菲欧与优丽狄茜（四幕歌剧）至于你说的那两部有很多歌唱家都唱过，得奖嘛~你可以去看看那些意大利著名的歌剧表演家的资料就能知道啦`如果你喜欢歌剧的话，上面我给你的几部绝对值得你一观~。
5.歌剧的基础知识是怎么产生的
歌剧的起源和发展
歌剧起源于巴洛克时期（1066-1750），最初是由意大利佛洛伦萨的一群人文主义者为了复兴希腊时期的戏剧传统而创造的音乐形式，其渊源除了古希腊戏剧还有世纪神秘剧、假面剧，最直接的起源是文艺复兴后期兴起的牧歌。1599年佩里创作的《达夫尼》是目前所知的第一部歌剧，1600年他创作了《尤丽狄斯》是现存最早的歌剧。这两部歌剧已经有了咏叹调与宣叙调分工，但总体看来并不成熟。1607年蒙特维尔第创作的《奥菲欧》是第一部意义上的近代歌剧，作者运用了相当近代化的管弦乐队为戏剧配乐，用不谐和音烘托气氛和展现矛盾。
此后兴起的是威尼斯歌剧学派。1637年威尼斯开放了第一家公共歌剧院―圣卡西亚诺剧院，使得这门艺术走出了少数贵族的沙龙，迎接一个更广泛的市民阶层的青睐。此后半个多世纪里，威尼斯前后开放了十几家歌剧院，一大批有才华的作曲家、剧作家为之谱曲、写脚本，比较有名的有切斯蒂、卡瓦利等人。这个时期的威尼斯歌剧场面有时奢华到了夸张的地步，开始运用灯光、道具、布景等手段衬托剧情。
6.请问一些歌剧知识
歌剧是把戏剧、诗歌、音乐、舞蹈和美术结合在一起的一种综合艺术，起源于十六世纪末的意大利。欧洲传统歌剧分为：正歌剧、意大利喜歌剧、法国音歌剧和法国大歌剧等几种体裁。
在十八世纪的意大利，正歌剧非常流行。正歌剧是和宫廷贵族的艺术趣味相适应的，题材大多是希腊神话或历史故事。在形式上注重华丽的演唱技巧。音乐包含序曲、咏叹调、有伴奏的宣叙调、重唱、合唱等。正歌剧不仅盛行于意大利而且还流传到欧洲其他国家，德国、奥地利和法国的作曲家也常采用意大利剧作家的脚本写作正歌剧，用意大利语演唱。
7.歌剧的知识（急
歌剧的起源 歌剧的产生相当早，当西方的多声部音乐，也就是复音音乐发展至顶峰时，人类开始厌倦听那么多的声部，而倾向于听有主旋律的音乐。
而那时，文艺复兴时期的人们向往着古希腊的文化，因此，希腊悲剧自然而然地受到注意。当时弗罗伦斯有一位爱好艺术的贵族叫bardi，他常邀请一些有同样抱负的文人到他家里聚会，并且取了一个名字叫“同好会”（camerata）。
组成份子有Caccini、Peri和V。Galilei（即著名科学家珈利略的父亲）他们研究着如何复兴古希腊悲剧，于是，有人创作剧本，有人翻译希腊悲剧唱诗队的歌词，而作曲家便根据歌词及想象创作音乐。
就这样，他们创作了一些以希腊悲剧为模板的「剧」。 不久，蒙台威尔第也加入了同好会，于是，他根据古希腊神话创作了音乐史上被认为的第一部歌剧《奥菲欧》（Orfeo）。
这一年是公元1607年。为什么他的Orfeo被认为是西洋音乐史上第一部歌剧呢？因为这部歌剧具备了今天歌剧所应具备的条件。
包括序曲、宣叙调、及咏叹调。 之后，这种形式的歌剧在意大利的各地风行了起来，特别是在威尼斯，因为当时繁华的威尼斯，迅速地建立了六十多座歌剧院，也使得欣赏歌剧这件事，成为当时威尼斯人的主要休闲之一。
接着，歌剧也散播到各个地方，在意大利南方的拿波里，出现了几位才华洋溢的作曲家，我们会发现在他们的作品中，宣叙调和咏叹调是一组的同时，序曲也呈快—慢—快三段结构，这就是典型的意大利歌剧序曲。 至此，意大利歌剧可说是在完成阶段了。
发布时间：2006-2-6 16:21:47 歌剧一种由歌唱演员根据戏剧脚本及作曲家为其所谱写的音乐进行表演与演唱的音乐艺术形式，它集音乐、戏剧、文学、舞台美术等于一身。歌剧音乐包括声乐和器乐，声乐是剧中人物的一段段唱段，器乐伴奏声乐的同时，兼负刻画人物心理活动与性格、揭示剧情及发展戏剧矛盾冲突，烘托环境气氛等作用。
歌剧起源于欧洲，其发展经历4个大时期： （1）16~17世纪早期意大利歌剧及其影响。西方认为的第一部歌剧《达夫涅》由佩里与雅各布·科尔西根据里努奇尼的编剧创作而成，1597年在佛罗伦萨贵族宫廷内演出，它标志着歌剧的诞生。
此时期积极倡导歌剧事业，为之做出贡献的有意大利的蒙特威尔第、法国的吕利与拉莫、德国的许茨、英国的珀塞尔与亨德尔等。 （2）18世纪轻歌剧兴起以及歌剧改革。
17世纪上半叶轻歌剧在意大利已经出现，18世纪上半叶佩尔戈莱西的《女仆夫人》成为推动欧洲各国轻歌剧发展、歌剧改革的重要作品。歌剧改革的历史性人物是德国作曲家格鲁克，其作品《奥尔菲斯与尤丽狄茜）摒弃了惯用的炫技式咏叹调，强调音乐与戏剧的密切配合，注重发挥器乐的表现力，为歌剧注入一股纯朴之风，为歌剧创作开辟出一条新路，成为歌剧发展历程中划时代的里程碑。
他为19世纪法国大歌剧的出现做了铺垫。而为19世纪浪漫歌剧的出现做先导的，是18世纪初起源于德国的喜歌剧，对德国喜剧发展做出重大贡献的奥地利作曲家莫扎特，其代表作《费加罗的婚礼》、《后宫诱逃》、《唐璜》、《魔笛》，皆为歌剧中之精品，久演不衰。
（3）19世纪浪漫派歌剧和法国喜歌剧、意大利真实主义歌剧和民族歌剧。这个时期可谓歌剧的繁荣时期——涌现出众多的歌剧大师，产生出风格多样的杰出作品，其中以意大利的歌剧创作最多。
19世纪上半叶出现4位意大利歌剧大师，即罗西尼、贝利尼、多尼采蒂、威尔第；19世纪下半叶的普契尼、马斯卡尼、莱翁卡瓦洛是意大利“真实主义”歌剧流派的3位代表人物。 德国作曲家韦伯的《魔弹射手》、《奥伯龙》将浪漫歌剧推至新的高峰。
来自欧洲各国的大歌剧剧目汇聚巴黎，大歌剧成为一时风尚，罗西尼的《威廉·退尔》、德国作曲家梅耶贝尔的《恶魔罗勃》为典范之作。法国喜歌剧发展到这个时期，兼收意大利风格，形成抒情歌剧，如古诺的《浮士德》、马斯涅的《泰伊丝》、比捷的《卡门》等。
德国作曲家瓦格纳以自己的美学思想创立了“乐剧”，使歌剧无论是在形式上还是内容上都达到前所未有的超大规模，成为鸿篇巨制，代表作是《尼伯龙根的指环》。此种歌剧样式因其一定的浩繁并未沿传。
19世纪还掀起民族歌剧之风，如俄国歌剧奠基人格林卡所作《伊万·苏萨宁》，捷克民族作曲家斯美塔纳的《被出卖的新嫁娘》等。 （4）20世纪现代派歌剧。
这一时期的主要作品有德国理查·施特劳斯的《莎乐美》、《玫瑰骑士》，法国德彪西的《佩利亚斯与梅丽桑德》等。还包括美国的音乐剧等样式。
歌剧中的声乐样式有咏叹调、宣叙调、重唱、合唱，体裁样式有正歌剧、趣歌剧、喜歌剧、大歌剧、轻歌剧、音乐剧等。 歌剧现状不容乐观 我国一批知名音乐家金湘、李光羲、李元华、金曼等就中国歌剧艺术的过去、现在和未来畅所欲言，发表了许多令人耳目一新的见解—— 歌剧艺术打动人心 与会专家指出，人声是最美好的“乐器”之一。
当一种音色或数种音色及其群体所构成的多声部音乐来承担戏剧的任务，唱出（包括与乐队的合作）一个故事及其中人物的思想、个性、情绪时，它就表现出最接近人们生活、最符合群众欣赏习惯的特点，并具。
8.歌剧入门.我该听什么歌剧
下边是Opera America列的在北美上演次数最多的20个歌剧：
1. Madama Butterfly by Giacomo Puccini （蝴蝶夫人）
2. La bohème by Giacomo Puccini （波希米亚人）
3. La traviata by Giuseppe Verdi （茶花女）
4. Carmen by Georges Bizet （卡门）
5. The Barber of Seville by Gioacchino Rossini （塞维利亚的理发师）
6. The Marriage of Figaro by Wolfgang Amadeus Mozart （费加罗的婚礼）
7. Don Giovanni by Wolfgang Amadeus Mozart （唐璜）
8. Tosca by Giacomo Puccini （托斯卡）
9. Rigoletto by Giuseppe Verdi （弄臣）
10. The Magic Flute by Wolfgang Amadeus Mozart （魔笛）
11. La Cenerentola by Gioacchino Rossini
12. Turandot by Giacomo Puccini （图兰朵）
13. Lucia di Lammermoor by Gaetano Donizetti
14. Pagliacci by Ruggero Leoncavallo
15. Così fan tutte by Wolfgang Amadeus Mozart
16. Aida by Giuseppe Verdi （阿依达）
17. Il trovatore by Giuseppe Verdi (
18. Faust by Charles Gounod （浮士德）
19. Die Fledermaus by Johann Strauss II
20. L'elisir d'amore by Gaetano Donizetti （爱的妙药）
莫扎特的音乐感情表达比其他作曲家更直接真挚，所以不管初学唱歌还是初接触歌剧从莫扎特开始把握起来是比较容易的，想必不会走弯路。莫扎特著名的歌剧上边没列出来的还有Die Entführung aus dem Serail（大概叫“后宫出逃”）。去年好像拍了一个英文的电影版的魔笛，看介绍好像场面十分壮丽，我想用作入门再好不过了；建议朋友找来看看。（另外好像Tosca也拍过电影，Roberto Alagna演的。）
或者是先找来经典的咏叹调和序曲听一听，捞点干的，然后再去接触整个的歌剧。
9.学唱歌的一些常识
唱歌技巧 歌曲的演绎是需要很多方面表现的。
第一当然是声音。这是一个很专业的学问，包括气息、用嗓、口腔共鸣、吐词方式等。
以后的文章中，我会把我知道的尽可能的与大家交流。 第二是情感。
这需要歌手对词、对旋律的感悟要强，很多朋友演唱时把全部的重点都放在了声音的部分，而忽视情感，这绝不会唱好一首歌。过分注重声音的原因，是因为歌手的实力有限，演唱过程中老想着到哪里要注意气息了、哪里要注意换气了、快到高音的时候要准备了等，这都是无可避免的。
所以，如果唱歌要做到“声情并茂”，练功相当重要。当你练声成熟的时候，演唱时的注意力才会到情感上来。
有句话说得好，歌不是用嘴唱的，而是用心唱的。如果发声练到气息贯通、炉火纯青的地步，演唱就更随心所欲的注入情感，演绎歌曲的感染力会更强。
第三是感受。这里再次强调，音乐的感受是天生的，你有多少就是多少，后天弥补的音乐感受很少很少。
流行歌曲需要流行歌曲的感受，民歌需要民歌的感受，比如你要阎维文唱“一无所有”，我敢保证会笑翻一帮人！歌手的感受不同，演唱歌曲的处理方式也不同，有的处理得很平淡，有的处理得扣人心弦。这些处理都是很微妙的，比如一个小小的换气、一个强调的重音、一个不换气的长拖音或者一个骤然的收尾……这些就只能意会了。
第四是节奏感和音准。你见过一个3岁多的小孩听到一个旋律就能敲打出加花的节奏吗？你见过一个3岁多的小孩现场演唱，爸爸给他手风琴伴奏，随时改变音调，他进唱的音调都是准确的吗？你见过一个8岁的小孩在没听到任何声音的情况下，要他随时哼出“降E”、“升C”等任何音调的“1”的发音，哼完后在键盘上按下核对完全准确的吗？这就是天分，演唱歌曲需要这样的基础，虽然不要他们那样出众，但一定不能弱。
第五是素质。这就是业余歌手和专业歌手的区别。
其实光在声音、情感、感受、节奏、音准这些方面比较，业余歌手有很多不比专业歌手差。差距就在素质。
你知道自己唱歌时的形体和表情吗？你可能有个模糊的形象，就是你投入演唱时自己想象自己的模样，而这个形象很可能是你唱的这首歌的原唱的形象。但这些都是你的想象，自己想象的形象几乎是完美的。
你知道大家看到是什么吗？你用摄像机拍摄过自己的一次正式演唱吗？其实当你上台的第一个眼神或者第一句话，就能知道你是业余还是专业。这里说的素质还包括对乐理的了解、乐器的了解、对音乐史以及对音乐常识的了解等，当然也有很多专业歌手也不全面，但我个人认为，如果要做专业歌手，就应该贯彻这些，要对得起“专业”这个词。
理解歌词 在学一首新歌之前，有几次你是先把词从头到尾在心里读一遍的？又有几次揣摩过撰词者的心思和他表达的意境？一首歌曲，无论是先有词还是先有曲，双方作者都是认真揣摩对方（词作者或曲作者）要表达的意境和思想，如果到了你这里，你居然完全不理会他们的用心良苦，就这么凭着自己的感觉唱，我觉得不妥。有些个性歌手喜欢按照自己的理解这样表达自我，这种方式不是不好（而且我也喜欢这样），但我会先把作者的意图先搞明白再发挥。
再说不是每首歌曲都适合你任意发挥的，有些词曲你找不到更合适的表达，比如国歌。 在你深刻理解歌曲以后，你的情感处理方面一定会好很多，如果你的感悟能力强，你会情不自禁的把某个音唱重，某一个音轻轻带过，一个激情的长音会拖得很饱满…… 话和唱歌，除了旋律、节奏、气息，还有其它区别吗？有，那就是吐词的方式。
请你随意的用你说话的方式读出“让我一次爱个够”，然后投入的把它唱出来……会发现唱的时候嘴型是向两边打开的，而且要夸张一些。如果你觉得差不多，就是你的吐词有问题。
所以唱歌要比说话嘴型要夸张，这样吐词才会更清晰、气息更通畅、更宜于表达情感。 演唱国语歌，还是标准的好。
比如“Z、C、S”和“an、ang”和“L、N”的区别是很容易搞混的。港台歌星有时会把个别字故意唱得不卷舌或卷舌，要不就是自己的舌头打不过来、要不就是他们觉得那样不好听，或者他们根本就不知道这个发音。
当我们翻唱他们的这些歌曲时，我没有明确的主张，为了模仿，不纠正也行。但如果是要唱自己的风格或比赛，那就要改正了。
关于粤语歌，劝你们还是学好再唱，要不很容易搞笑的。就像我以前唱粤语歌一样，自认为标准，现在才知道有差距。
粤语中也有类似与国语中的“Z、C、S”和“an、ang”的微妙区别，不认真学是学不好的。 气息 说道这个话题，就有些茫然，因为这是最不好用言语表达的东西。
我在唱歌之前，练美声两年，给我的感悟很深，气息基础对我的帮助很大。一般没有学过声乐的人发声很平，就用平常说话的位置（嗓子）发音，我们叫它声音发“白”，没有色彩、没有过滤。
以下我就表述一下美声练声的方法。 声音应该以小腹为根源，想象声音透过后脊梁，到脑后，到口腔后根，整个声音应是竖立的，靠后的。
请找一找这样的感觉：你大口咬一口苹果，露出上牙齿，在一口咬下去的同时，发出“嗯”的声音，感觉声音在口腔后部和鼻腔上部的位置，这就是美声发。
