1.西洋管弦乐队的知识
西洋管弦乐队又称交响乐队，其中的乐器大都起源于欧洲，早在几个世纪以前，管弦乐队就已经初具规模了，那时，一般用于演奏宫廷音乐。
开始，乐队只是用了些弦乐器，后来，又逐渐加进了木管乐器和铜管乐器。 一般来说，西洋管弦乐队是由键盘乐器、木管乐器组、弦乐器组、铜管乐器组、打击乐器组以及其他一些特性乐器组成的。
人声大体上可分为女高音、女低音、男高音、男低音四个基本声部。这些乐器组也可分为四种。
例如在弦乐组里，就有小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴；木管组有长笛、双簧管、单簧管、大管；铜管组有小号、圆号、长号、大号。具体分类： 键盘乐器：钢琴、古典钢琴、管风琴、手风琴、电子琴 木管乐器：长笛、短笛、双簧管、英国管、巴松管、单簧管、萨克斯管、口琴、苏格兰风笛。
弦乐器：小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴、古典吉他、曼陀铃、电声吉他、电声贝司、竖琴。 铜管乐器：小号、法国圆号、长号、低音大号。
打击乐器：定音鼓、大鼓、小军鼓、钟管、木琴、钢片琴、电子鼓、爵士鼓、三角铁、铁片角、大镲、铃鼓、西班牙响板、沙槌、大锣。
2.民族管弦乐知多少
民族管弦乐曲《喜洋洋》《喜洋洋》是一首脍炙人口的乐曲，经常在过年即喜庆节日的时候演奏。
《喜洋洋》于1958年创作，作者刘明源。乐曲共分三段，第一段的主题取材于山西民歌《卖膏药》，作者运用两个笛子的音色，用了顿音加花等方法，充分发挥了民歌《卖膏药》轻快活泼的特点，展现出热热闹闹的场面。
第二段的主题也是由山西民歌《碾糕面》改编的，作者保持了原曲舒展的特点，将上下两句发展成起承转合的四句，再加上笛子、二胡和板胡的音色来丰富乐曲，木鱼则以规整的节奏衬托曲调，恰似喜悦的歌声，用来描绘人们过年时热闹欢快的情景。第三段完整重复了第一段的旋律。
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3.介绍一下有关交响乐的常识
1、交响乐队组成形式和形成过程
交响乐队的真正形成是在近几百年内，严格来说就是在维也纳古典乐派所兴盛的时期。在这之前，交响乐队的结构组成并不完善，还只是一些编制不全的管弦乐队。如在海顿和莫扎特的创作中，乐队的编制和规模也仅仅限于室内乐特征的小型乐队。交响乐队形式和编制是在贝多芬的创作中达到最终完善的。如在贝多芬交响乐的创作中，双管或三管编制的交响乐队得到了基本确定。后来，在整个19世纪早期到晚期的浪漫主义音乐全过程中，交响乐队编制和组合形式又得到了进一步的完善。大型四管交响乐队的出现和各种特性乐器的加入，更加丰富了交响乐队的音响效果和艺术表现力。这些特征在马勒、理查-施特劳斯及20世纪现代作曲家普罗菲耶夫、肖斯塔科维奇和斯特拉文斯基等人的创作中体现的由为充分。
2、交响乐团的编制
交响乐团是音乐王国里的器乐大家族，一般来说它分为五个器乐组：弦乐组、木管组、铜管组、打击乐组和色彩乐器组。下面分组介绍各种乐器（它们都是从高音到低音的乐器）：
弦乐组：小提琴、中提琴、大提琴、倍大提琴。
木管组：短笛、长笛、双簧管、英国管、单簧管、大管。
铜管组：小号、圆号、长号、低音号。
打击乐组：定音鼓、锣、镲、铃鼓、三角铁等。
色彩乐器组：钢琴、竖琴、木琴、铝板钟琴等。
对于一些特殊曲目，还会加入其它的一些乐器，像唢呐，喇叭，二胡等民族乐器
由于交响乐团采用了这么多的乐器编制，所以它有着非常丰富的表现力。交响乐队根据作品风格的需要，它又分为编制上的不同。如单管编制、双管编制、三管编制、四管编制等等。
发展历史
文艺复兴时期就有了交响乐这个说法，但当时的含义和现在完全不一样，当时的交响乐泛指的是一切多声部的音乐。其中包括了声乐和器乐。
到了16至17世纪，交响乐用来称呼歌剧和清唱剧中的序曲和间奏曲，这时声乐已经排除在了交响乐的概念以外，“交响乐”从此成为了纯粹的器乐曲。
18世纪初，序曲和间奏曲开始脱离歌剧开始在音乐会上单独演奏。这对交响乐的发展起了重要的作用，意大利那不勒斯的作曲家斯卡拉蒂在自己的作品中为序曲奠定了“快板-慢板-快板（舞曲风格）”的三段体式，给后来的交响乐的乐章格式建立了最基本的格式。
18世纪下半叶，德国的曼海姆乐派在序曲的创作中开创了主调音乐的手法，提高了乐器的表现能力和音乐的戏剧性，并在三段式序曲的基础上增加了快板的终曲，就形成了四乐章器乐套曲的雏形。
后来的三位音乐大师把古典交响乐发展到了最成熟的阶段，他们是海顿、莫扎特和贝多芬。这三位大师把维也纳乐派和古典主义发展到了颠峰的状态，也使得交响乐进入了自己的黄金时期。贝多芬更是把交响乐的内涵和思想性发展到了一个新的境界，现代意义上的交响乐概念就在这个时期形成了。
之后欧洲的浪漫主义作曲家们在继承了古典主义的精华后，将交响乐的内容、形、乐队编制，乃至于标题，都进行了不同程度的创新。在这个时期，交响乐的形式更为自由，色彩更加丰富，表现手法也更多种多样。
进入20世纪后，交响乐仍然在不停的发展着，越来越多的新元素添加到交响乐中。气势恢弘，感情细腻，表现力无限丰富的交响乐仍然拥有大量坚定的爱好者。
经典交响曲结构如下：
第一乐章：奏鸣曲式，快板
第二乐章：复三部曲式或变奏曲，慢板
第三乐章：小步舞曲或者谐谑曲，中、快板
第四乐章：奏鸣曲或回旋曲式，快板
演奏交响乐的乐团是交响乐团，每个国家乃至每个城市都以拥有一支水平精湛的交响乐团而感到自豪！
4.交响乐队的常识
1、交响乐队组成形式和形成过程
交响乐队的真正形成是在近几百年内，严格来说就是在维也纳古典乐派所兴盛的时期。在这之前，交响乐队的结构组成并不完善，还只是一些编制不全的管弦乐队。如在海顿和莫扎特的创作中，乐队的编制和规模也仅仅限于室内乐特征的小型乐队。交响乐队形式和编制是在贝多芬的创作中达到完善的。如在贝多芬交响乐的创作中，双管或三管编制的交响乐队得到了基本确定。后来，在整个19世纪早期到晚期的浪漫主义音乐全过程中，交响乐队编制和组合形式又得到了进一步的完善。大型四管交响乐队的出现和各种特性乐器的加入，更加丰富了交响乐队的音响效果和艺术表现力。这些特征在马勒、理查-施特劳斯及20世纪现代作曲家普罗菲耶夫、肖斯塔科维奇和斯特拉文斯基等人的创作中体现得尤为充分。
2、交响乐队的编制
交响乐队是音乐王国里的器乐大家族，一般来说它分为五个器乐组：弦乐组、木管组、铜管组、打击乐组和色彩乐器组。下面分组介绍各种乐器（弦乐、木管、铜管都是从高音到低音的乐器）：
弦乐组：小提琴、中提琴、大提琴（大提琴一般不担任主要旋律）、倍大提琴。
木管组：短笛、长笛、双簧管、英国管、单簧管、低音单簧管、大管、低音大管。
铜管组：小号、圆号、长号、低音号。（注：圆号音域达4个八度，可以从大号的低音区延伸至小号中音区）
打击乐组：定音鼓、锣、钹、吊钹、铃鼓、三角铁、雪铃、铃树、梆子、快板。
色彩乐器组：钢琴、竖琴、木琴、铝板钟琴、排钟、管风琴、钢片琴等。
由于交响乐队采用了这么多的乐器编制，所以它有着非常丰富的表现力。
根据作品需要，可以将其同异域文化结合，甚至同电声乐器组合。
交响乐队根据作品风格的需要，它又分为编制上的不同。如单管编制、双管编制、三管编制、四管编制等等。乐器比例：交响乐队以木管作为判定编制的标志：“双管”编制的乐队（总人数约有60余人）； “三管”编制的乐队（总人数约有90余人）； “四管”编制的乐队（总人数约有110多人）。为了合各组乐器之间数量的比例合理，随着木管乐器的增减，弦乐器及其它乐器的数量也要随之变化，以保持声部音响的平衡。（布里顿《青年管弦乐指南》）
演奏交响乐的乐队是交响乐队，每个国家乃至每个城市都以拥有一支水平精湛的交响乐队而感到自豪，交响乐团也是文明进步人文发达的象征。
5.告诉我有关乐队配器的知识
不知道您说的是管弦乐队还是电声乐队呢？管弦乐队和电声乐队配器的特点 众所周知，管弦乐队的组成是以组的形式存在的，既铜管组、木管组、弦乐组和打击乐组。
而每组里都有音色较为接近的不同乐器，由于音色接近，能够产生比较好的音色共鸣。同时，由于每组里都有音区高低不同的乐器，比如木管组里有从最低音开始的巴松到最高音区的短笛。
弦乐组里有从最低音的贝提琴到最高音的小提琴。铜管组的最低音是大号（tuba ）最高音是小号，看看你就会明白了，他们每一组乐器都能适应从最低到最高音的音乐表现的需要。
而电声乐队则不然，只有可怜的几样乐器，但却要担当着全部歌曲的伴奏任务，怎么办？只有扬长避短，发挥各自的优势才能有效地为音乐表现服务。在回忆一下你听交响音乐时的感觉，是不是感觉声音非常宏大，声场特别宽广，为什么？因为乐器多、编组科学（同类乐器为一组）、声音共鸣好，尤其要是提到的是，管弦乐队配器的魅力是各种音色的组合，而不是单个乐器的声音。
所以很容易自成一体，能够独立完成某一音乐章节的表现。反之，我们再来看看电声乐队，它的乐器数量和管弦乐队相比，简直是太可怜了。
只有那么很少的几件。难道这样几件乐器就不能组成一个乐队吗？答案是否！电声乐队虽然人数较少，但是完成乐队配器的基本功能可是一点也不缺。
电声乐队有固定的打击乐鼓组。旋律、和声以及节奏可分别由吉他、电钢琴、以及弦乐组来完成，低音由电贝司来完成。
节奏主要由套鼓来完成。看看，麻雀虽小、五脏俱全。
所以说，电声乐队是管弦乐队的“另一种”音乐表现形式的缩影。虽然人数少，但是功能不缺。
要用仅有的乐器来为各种风格的歌曲进行伴奏，靠的是什么？还能象管弦乐队那样讲排场吗？肯定不能。电声乐队的功能是通过每件乐器的声音特点（个性）来完成的。
在电声乐队里，吉他、电钢琴、弦乐不但可以演奏旋律与和声，还可以演奏节奏，只有低音的电贝司和鼓组的活没有人跟她争。当你拿到一首歌曲准备进行编曲时，要好好看看这首歌的节奏除了鼓以外还有哪件乐器担当比较合适。
这首歌的前奏，间奏（也就是主旋律）交给谁来演奏比较合适，这首歌的和声由哪件乐器来完成比较合适。低音自然是没的争的，自然是电贝司。
了解了这些后，你的配器，也就是编曲的工作就开始了，接下来就是为旋律配制良好的和声进行。有很多朋友没有学过和声学，在编曲是时完全靠感觉、凭运气，这样的做法我们不提倡，因为任何一首音乐作品，如果没有良好的和声进行的话，你的作品就是配完了，也是一团糟。
所以，在此提醒各位朋友，要是想学编曲的话，还是应该学习一点和声学的知识。关于音乐的语言问题1.主旋律的写作 了解了电声 乐队的特点之后，又对歌曲进行了和声分析，并且为歌曲旋律配制了良好的和声进行之后，就能够把这首歌编好吗？不是的，因为在多声部音乐的进行中，除了主旋律外，还有副旋律，除了副旋律外还有织体语言。
关于主旋律我不用多说了，因为你的歌已经基本写成，为什么说叫基本写成呢？因为你还没有为你的歌曲认真地写好前奏、间奏以及尾声。只有这些都完成了，才能说是写完了完整的旋律。
在过去的年代里，可能是由于时代作品的原因，很多歌曲的前奏和间奏都是相同的。偶尔听到一首歌的前奏和间奏不一样便会感觉到耳目一新、精神振奋。
随着时代的进步，这种写法越来越被得到广泛的承认和使用，尤其是现在的通俗歌曲，由于篇幅较小，时间很短，为了进一步发展乐思，起到呈前启后的作用，在间奏上都作了许多文章，让歌手把音乐表现到一定程度后，由乐队继续发展乐思，这就是今天的歌曲伴奏的间奏的写法。那种完全大反复的写法已经越来越显得落后于时代了。
2.副旋律的写作3.在音乐进行当中，随着音乐的进行，为了更进一步地发展乐思，有时在主旋律的第二次出现时往往伴随着另外的一个旋律，这个旋律虽然不象主旋律那样明显夺耳，但是却为主旋律增添了不少的色彩，就好象二重唱一样。这个旋律就叫副旋律。
4.说道这里你可千万别头疼，因为副旋律也是旋律，是音乐作品不可缺少的有效成分。但是要写好副旋律，有时比写主旋律还难。
为什么？因为副旋律的写作依据不单单是和声，而且还需要复调音乐写作的基本训练。在这里如果让各位朋友枯燥地去练习对位法，严格地按照复调音乐写作的要求去练习的话，我认为不用说别人，起码连我自己都做不到。
难道就没有一些省事的办法了吗？答案是肯定的“有”！只要你认真地学习和声学，能够为自己的作品配制良好的和声进行的话，再认真进行一番自我训练，就可以为歌曲写出好的副旋律。因为副旋律的技术来源于复调音乐，而理论来源于和声，只要你认真分析你的和声进行，多听好的作品的配器，只要你用心，我想你迟早会写出好的副旋律的。
歌曲伴奏中的副旋律主要是和主旋律形成此起彼伏的对比，使音乐增加活力。但是究竟怎样才能开始练习呢？本人由于水平有限实在不敢误人子弟。
我只能根据我自己的创作体会，给大家一个参考。1.一般来说，副旋律的出现是在歌曲的第一主题的重复出现。
6.音乐史,音乐常识大概是考什么方面内容（具体）
音乐史包括中国音乐史，中国古代音乐史，中国近现代音乐史，中国当代音乐，西方音乐史.音乐常识包括音乐文化常识和音乐乐理常识，音乐乐理常识包括音值组合法， 常用术语判断，音程和弦的判断与写法，续写谱子，
判断调式调性.音乐文化常识包括1、什么是音乐？
2、什么是乐音和噪音？
3、什么叫音高？
4、音乐中所用的乐音有多大范围？
5、什么叫音名和唱名？
6、什么叫音列？音列是如何分组的？
7、哪一个音叫标准音？
8、什么叫全音？什么叫半音？
9、什么叫自然音？什么叫变化音？
10、什么叫音阶？
11、什么叫记谱法？
12、什么是简谱？
13、什么是五线谱？
14、什么是小夜曲？
15、什么叫波尔卡？
16、什么叫玛祖卡 ？
17、什么叫小步舞曲？
18、什么叫圆舞曲？
19、什么叫学堂乐歌？
20、andante allegro。..什么意思？
21、什么叫哈巴涅拉舞曲？
22、什么是声乐套曲？
7.音乐基础知识有哪些
1.音乐声学
2.记谱符号
3.和声学 音程 调式（音阶） 和弦
4.节拍，节奏，速度，力度
5.旋律
6.装饰音
7.对位法理论 对位法 模仿 卡农 赋格
8.音乐的曲式 基本曲式 器乐 声乐 教堂音乐 歌剧 轻歌剧 音乐剧 爵士乐
9.乐器 人声声部
10.交响乐团 巴洛克时期管弦乐队 古典主义时期管弦乐队 浪漫主义时期管弦乐队 现代管弦乐队
